EL PADRASTRO.

Buena Luna.

Hacia tiempo que no llegaba hasta nuestras pantallas un remake de alguna película de éxito de la época dorada del cine de terror, pero con "El padrastro", esta buena racha llega a su fin.

SINOPSIS:

Michael Harding (Penn Badgley) regresa a casa de la escuela militar para encontrar a su madre (Seal Ward) felizmente enamorada y viviendo con su nuevo novio, David (Dylan Walsh). A medida que los dos hombres van conociéndose el uno al otro, Michael sospecha más y más del hombre que siempre está allí para ayudar. ¿Es realmente el hombre perfecto para su madre o podría David estar escondiendo un lado oscuro?

Esta película esta basada en la ya considerada obra de culto de 1987 "El padrastro" del director Joseph Ruben ("Solo ante la ley", "Misteriosa obsesión", "El buen hijo"...) y que se encarga de re-adaptar a los tiempos que vivimos el director Nelson McCormick. Parecía que la adaptación tendría gancho por la dilatada experiencia en series de Tv de éxito como "E.R" (Urgéncias) y "Prision Break" que tenia el director, pero nada mas lejos de la realidad.

El guión es calcado a la primera realización ochentera y aunque aquí se cambian nombres, vestuarios y atrezzo, todo continua rezumando un tufillo ochentero, que aunque podría ser agradable como ha pasado en otras ocasiones, aquí despierta nuestros terrores mas ocultos recordando gran cantidad de bodrios que se realizaron en esa época.

Aquí se intenta volver a la gran mina ideológica que fueron los serial killer y que tanto juego han dado en el cine, pero así como en otras adaptaciones y nuevos títulos, se ha llevado con gracia e incluyendo puntos novedosos, (claro ejemplo es la saga "SAW" y rebuscando en los archivos una casi desconocida "Mr Brooks" con un excelente Kevin Costner) aquí se cae en el topicazo, no como legado o tributo, sino como simple ejercicio de vagancia extrema para una recolecta entre espectadores incautos.

Simplemente correcta a nivel visual y con unas actuaciones mas que corrientes, toda la trama, previsible donde las haya, pasa de largo cual agradable tele film de sábado a mediodía. Reiterativa, poco imaginativa, recauchutadamente sobresabida y carente de atractivo, no aporta nada a la primera versión y mucho menos al panorama del cine de terror actual, en lo que ya esta inventado aburre y las novedades se miran con lupa.

Simplemente una película para pasar el rato, aburriéndote y sabiendo en todo momento lo que va a ocurrir en cada plano y para colmo con un final abierto que espero que no de como resultado, como lo hizo en los ochenta, un "Padrastro 2".

Lo mejor: El regusto a la época dorada del cine de terror.

Lo peor: La nula novedad y malgasto de metros de película para un remake innecesario.

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LA CARRETERA.

Buena Luna Criaturas.

Hace tiempo que pudimos ver en Sitges que tantos de nosotros llevamos mucho tiempo esperando: "The Road". Acudió a la gala en el Auditori levantando pasiones, un sencillo y simpático Viggo Mortensen, para presentar su última película y para recoger el Premio Honorífico de esta pasada edición. Recordaros que hace mucho ya que el Almirante nos abrió los ojos a esta pequeña joya de la literatura de terror, llevada ahora a la gran pantalla, con su post que desde aquí podéis volver a disfrutar o descubrirlo si no lo habéis leído

El director John Hillcoat, se encarga de hacer la adaptación para la gran pantalla del Premio Pulitzer de Cormac McCarthy. Nacido en Brisbane, estudió cine en el Swinburne Film School de Brisbane. Allí dirigió sus primeros cortometrajes. Debuta con Ghosts… of the Civil Dead (88). Tras dirigir algunos videoclips, une sus fuerzas a las de Nick Cave (como guionista) en The Proposition.

SINOPSIS:

En un futuro quizá no lejano, en un sombrío mundo post-apocalíptico, un padre (Viggo Mortensen) trata de poner en lugar seguro a su hijo (Kodi Smit-McPhee). El planeta ha sido arrasado por un misterioso cataclismo, y en medio de la desolación un padre y su hijo viajan hacia la costa para buscar un lugar seguro donde asentarse. Durante su travesía se cruzarán con los pocos seres humanos que quedan, los cuales o bien se han vuelto locos, o se han convertido en caníbales...

La primera duda que asaltó mi mente cuando supe hace tiempo de la adaptación de la terrorífica novela de McCarthy, fue la de si la gran pantalla sabría plasmar con fiabilidad una novela tan dura, pero sencilla y poco espectacular a la vez.

Una vez vista la adaptación que ha hecho Hillcoat, he de decir que creo que esta es una de las adaptaciones mas fiables y mas magníficas que he visto nunca. Era difícil transmitir esa sensación descorazonadora del fin real de los días, no de un aparatoso escenario americano, donde al final todo sale bien.

Sin desvelar los motivos del cataclismo y con unas localizaciones que incluían zonas de New Orleans asoladas por el Katrina, la sensación transmitida es muy similar a la del libro. Quizás menos angustiante, pero puede ser debido a la intimidad que da la lectura, comparado con el visionado de una película con otras mil trescientas personas mas.

En cuanto al reparto no se puede objetar nada, Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron, Guy Pearce, Robert Duvall, genios reconocidos pero con el claro protagonismo de Viggo, que aunque conservando esa ajada voz horriblemente exagerada en "Alatriste", hace uno de sus mejores papeles. Tremendamente real, difícil y con la capacidad de llenar la pantalla él y en compañía de un joven actor con magnifico registro como es Kodi Smit-McPhee.

Muy bien filmada, con una fotografía genial, muy acorde con la sensación gris que transmite el libro en todo momento y con la banda sonora adecuada para tal historia, creo que es una película redonda, completa, de esas que dejarán huella en la historia del cine.

Por último y por deformación profesional, destacar la grandiosa caracterización del difunto que aparece en el film. Debido a mi profesión he podido ver muchas veces gente muerta y he de decir que esta es la primera vez que en el cine se ha llegado a igualar el terrible aspecto de un difunto real: nariz aguileña, ojos, boca, color, terriblemente perfecto.

Lo mejor: La actuación de Viggo Mortensen y la adaptación de la novela.

Lo peor: Algo lenta a momentos, aunque necesarios, pero algo se ha de decir.

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Burton por Burton- Prólogo de Johnny Depp, de Mark Salisbury

BURTON por BURTON.

Edición de Mark Salisbury.
Prólogo de Johnny Depp.
Edición ampliada y actualizada.
Angle Editorial, 2009.
ISBN: 978-84-96970-49-6.

El universo Burton es un océano profundo en el que hay que sumergirse. Es otro mundo, con otra luz, con otras reglas, lleno de detalles que dan sentido a la totalidad. Y ahí estás disfrutando de la intensa vida de los muertos, de amores de ultratumba, de sorpresas funestas, cuando te preguntas cómo empezó todo. Y entonces por arte de birlibirloque aparece “Burton por Burton”, con prólogo de su amigo Johnny Depp que además de estar como un queso, es un auténtico icono underground.

¿Qué más se le puede pedir a un libro sobre Tim Burton?

En palabras de Johnny Depp,

“Para mi es un auténtico genio y, creedme, no utilizaría este calificativo con mucha gente. Lo que hace él no se puede etiquetar (…) Tiene un don muy especial que no se encuentra cada día. No se le puede considerar un simple director de cine. Resulta más adecuado el título, tan escaso de “genio”, y no sólo por sus películas, sino también por los dibujos, fotografías, ideas, por su agudeza y por su imaginación.”

“Burton por Burton” nos explica como empezó todo, desde el principio. Aporta nueva luz a ese universo cautivador y mágico. Se detiene detalladamente en cada una de sus obras explicando las anécdotas, el antes y el después, analizando el acto creativo.

Después de los agradecimientos, el prólogo de Johnny Depp y la introducción de Mark Salisbury, comenzamos el recorrido por su infancia en Burbank y a continuación nos explica su experiencia en Disney y cómo nació “Vincent”.

Rememorando esa etapa, Burton nos habla sobre los modelos impuestos por la sociedad y los impulsos reprimidos.

“Recuerdo que un día me sentí completamente frustrado, porque me encanta dibujar pero en realidad no se me da demasiado bien. Un día alguna cosa hizo clic dentro de mi cerebro. Estaba preparando unos bocetos y pensé - A la mierda, me da igual si sé dibujar o no. Me gusta y punto – Juro por Dios que de un segundo a otro experimenté una sensación de libertad que no había sentido nunca anteriormente.”

A los que nos gusta que nos cuenten cómo nace una idea, cómo se gesta un proyecto, esta parte del libro nos muestra que de lo malo siempre se aprende. Nos enseña lo transformadores que pueden ser los baches de la vida, la importancia de la amistad, la coherencia de una vida apasionada, el valor de mantener la fe en lo que uno hace.
La importancia de encontrar el sentido, de conseguir la capacidad de comunicar. Es un gran mensaje, la verdad.

A continuación, de su mano recorremos “Hansel y Gretel” “Frankenweenie, “La lámpara de Aladino”, “La gran aventura de Pee-Wee” “Beetlejuice” y “Eduardo Manostijeras”.

Aquí aparece el tema de la soledad, de la conexión con el entorno y también nos presenta el tema de la libertad bajo los disfraces.

“Crecí con películas de Lon Chaney y Boris Karloff. Estos tipos tenían una libertad especial, aunque mucha gente crea que no se les ve por culpa de la cantidad de maquillaje que llevan, cosa que me parece una tontería. He descubierto que cuando maquillas a un actor, en realidad le estás liberando. Se pueden esconder detrás de una máscara y mostrar otra cara de ellos mismos, y eso es genial.”

Poco a poco llegamos a “Batman vuelve” “Pesadilla antes de Navidad” “Cabin boy” y “Ed wood”. Seguidos de “James y el melocotón gigante” “Mars attacks!” “Superman lives” “La melancólica muerte del chico ostra” “Sleepey Hollow” y “El planeta de los simios”, capítulo especialmente interesante para quien quiera saber los motivos que llevan a producir un remake sin tener acabado el guión.

Finalmente la obra repasa “Big Fish” “Charlie y la fábrica de chocolate” “La novia cadáver” y “Sweeney Todd”.

El recorrido por la filmografía Burtoniana no sólo sirve para tratar el tema del arte en el cine. También nos habla sobre la dualidad y sobre el rechazo de la realidad. Además de mostrarnos “esas cosas” que se hacen para sobrellevar la existencia y enseñarnos a dar la vuelta a ciertos estereotipos expresivos.

El libro, repleto de fotografías y dibujos originales del director, es una delicia concebida para ser leída de un tirón. Imprescindible para amantes del cine, del arte y por supuesto de Tim Burton.

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Ajuar funerario. Fernando Iwasaki

Ajuar Funerario
Fernando Iwasaki
Páginas de espuma

Parece que últimamente sean los fogones el inmaculado tema del día. Al menos en España. Pase lo que pase y catástrofes aparte (por favor no nos olvidemos de Haití), en algún u otro lado de la prensa y las pantallas la cocina se hace su hueco y se repantiga cómodamente. Ferrán Adriá, Arzak, Berasategui, Santamaría, Ruscalleda, y un largo etcétera de nombres a cual más enervante consiguen, a golpe de martillo y de estrella, que añadamos un nuevo elemento a nuestra lista abierta de cosas a las que tomarles manía. Cuando uno cree que los cocineros salen a la palestra para compartir sus conocimientos y promocionar la gastronomía, se cerciora, tras unas pocas alocuciones, de que sus verdaderas intenciones son las de convencernos de que lo que de verdad sucede en las cocinas, eso de menear las sartenes y escurrir las verduras, contiene innumerables misterios que sobrepasan en mucho las capacidades cognitivas del común de los mortales, y no hablemos de las de los poderes intelectuales fácticos, esos aburridos zoquetes que siempre taladran con lo mismo y no son nada guays. Y aquí entran ellos como incuestionables intérpretes de los velados signos fogónicos que se dan cita en las cocinas de todo quisqui. Ya no podremos pasar sin los cocineros. Como tampoco pudimos pasar en su hora sin los sacerdotes, los astrólogos, los adivinos, los periodistas deportivos o los especialistas en vinos. Aquí los listos se hacen imprescindibles. Se terminó eso de amasar sin haber obtenido el preceptivo certificado de virtuosismo culinario; Mamá no tienes ni idea de cocina si no deconstruyes la paella. Cosas veredes amigo, Sancho, que farán fablar las piedras.

A mí me gusta comer. Yo me como un fricandó, me como una escudella, unos pies de cerdo con judías o una lubina a la sal y disfruto como un enano. Y otro tanto me pasa con las tapas, que considero tan comida como los platos anteriores. Y lo digo desde mi condición de inútil irrecuperable para esa cocina dell’arte, un cateto vamos. Y poco más puedo añadir.

A mí también me gusta leer. Yo me leo La Montaña mágica, Los hermanos Karamazov, El hombre sin atributos o La vida de Samuel Johnson y alucino. Y otro tanto me pasa con los relatos, sean de John Cheever, Flannery O’Connor, Chejov o E. A. Poe, y también considero que son tan literatura como lo puedan ser los anteriores mamotretos. Y no hay crítico literario ni esteta que me saque de ahí. Que otro día también hablaremos de estos, los primos hermanos de los anteriores cocineros (no todos, por supuesto, que llevan más en la senda y han aprendido).

En fin, que al hilo del tortuoso símil gastronómico que he tejido, si los callos a la madrileña son a La Marcha Radetsky de Joseph Roth, las gambas al ajillo son a Ajuar Funerario, de Fernando Iwasaki.

El limeño Fernando Iwasaki, nieto de japonés e hijo de peruanos, autor de una deliciosa narrativa de aires norteños, ha concentrado en Ajuar Funerario todas las sensaciones que nos provoca la literatura de terror en unos relatos que rara vez sobrepasan la página (10-12 líneas en la mayoría de los casos). La náusea, el escalofrío, la ansiedad, la zozobra, el desasosiego, la inquietud e, incluso, el mismo vértigo del terror, que ya es decir, están bien representados en los 100 relatos que incluye el volumen (de poco más de 140 páginas, ¡ojo!). Todos y cada uno como perlas caribeñas.

El volumen tiene, ciertamente, un aire festivo que se adivina enseguida en la inapelable dedicatoria: A Marle, que está de miedo, una firme declaración de intenciones, y que, como colofón a modo de recordatorio repite en la última página, donde se relaciona cada una de las fechas de las 5 ediciones publicadas con escabrosas onomásticas (p.ej.: la primera, del 30 de abril de 2004, coincide con el día de la Iglesia de Satán, fundada por Anton Szandor La Vey; y así, las cuatro que la siguen, hasta julio de 2009). Este tono de sonrisa congelada que Iwasaki se esfuerza en mantener a lo largo de todo el libro casa perfectamente con la sucesión de escalofríos y es ya una tradición de la literatura de terror -el susto solo se digiere y resulta lúdico si se le adivina el chiste, el cartón; que para terror del de verdad, ya están llenos los noticiarios-.

Para lograr el pequeño prodigio de aliviar de peso y paja -aquí el contexto es el primero en morir- y recuperar únicamente esa sensación limpia de inquietud que pretende, Iwasaki mide cada una de sus frases con milimétrica precisión, elabora sus salchichas sin aditivos, únicamente con carne picada de la mejor calidad y tripa natural, acudiendo a la fórmula de los mejores prosistas de relatos de la tradición norteamericana (J. Cheever, J. Thurber, S. Anderson); justo en la antípodas de los productores profesionales de best seller. En este sentido, la mayoría de los textos resultan una valiosísima lección de concisión, exactitud y preciosismo para cualquier autor, por curtido que esté. Nunca me cansaré de repetirlo, leer a los buenos es la mejor educación para un escritor, el escritor se hace a base de lectura. Lástima que el talento no entre en la política de café para todos.

Entre las concesiones que Iwasaki se ha visto obligado a hacer por causa de la limitación de tamaño que se ha impuesto, prima la estructura: en muchos relatos, quizás demasiados, la sensación de desasosiego, la inquietud y el susto se reserva al efecto de un golpe final, un giro en la última frase. Esto, particularmente si leemos varios relatos de seguido, puede dar la sensación de que el autor los produce usando el clásico método de estampación de sellos de los funcionarios de correos. Y es una pena, porque, y me repito como el ajo que ahuyenta a los vampiros, la factura de cada uno es deliciosa y ejemplar; un mal menor, a fin de cuentas. Por lo demás, Iwasaki no tacañea en otros recursos narrativos que podrían resultar lesionados en estas condiciones de estrechez, como en el uso de los diálogos, espléndidos, o en las descripciones de los personajes, que radiografía en dos pinceladas. En cuanto a la temática, los fantasmas y los muertos que se creen vivos predominan, luego, la cosa se disputa entre los monstruos y los psicópatas asesinos. Temas clásicos que son garantía de buen hacer. Algunos son auténticas maravillas de la minituarización, como aquél que nos relata en primera persona el asedio de unos monstruos a un pueblo de la edad media, sobrecogedoramente inolvidable, otros son una vuelta de tuerca a los lugares comunes del terror, como la chica de curva o la casa embrujada, y, por algún motivo que me encantaría aclarar, se dan cita algunas peculiares obsesiones de Iwasaki, como los monstruos dentudos que asoman por el retrete -un tema varias veces retomado-.

Resumiendo, Ajuar Funerario de Fernando Iwasaki es un excepcional compendio de mini relatos de terror y un pequeño manual del buen escritor con el que disfrutaréis a lo grande. Uno de esos libros que regalar a una persona que de verdad quieres. La edición en tapa blanda de la editorial Páginas de Espuma es más que correcta.

Termino con una frase de Mafalda, la réplica que le da a su amiga Susanita en la última viñeta: de la tira cómica "Si vivir es durar, prefiero una canción de los Beatles a un Long Play de los Boston Pops." Pues eso, mejor Iwasaki que cualquier Dan Brown.

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LA CUARTA FASE.

Buena Luna Criaturas.

Hace tiempo que esperaba con susceptible impaciencia el estreno de "La cuarta fase", un experimento visual del desconocido director Olatunde Osunsanmi en el que se combinan fragmentos de grabaciones reales, con escenificaciones de los actores de los supuestos hechos que ocurrieron en un pequeño pueblo de Alaska.

SINOPSIS:

The 4th Kind es un thriller ambientado en Alaska en el que una mujer investigará una serie de misteriosas desapariciones ocurridas en el lugar durante los últimos 40 años.

No es de extrañar que a muchos de los que nos consideramos aficionados al cine fantástico y de terror, también nos interese o llame la atención, lo que podría traer una parte de esas fantasías de celuloide a la vida real. Con esa baza se juega en esta película, donde basándose en la reconstrucción de una "supuesta" sucesión de casos extraños en Nomen (Alaska) en 2002, nos llevan de la mano de una psicóloga, encarnada en la interpretación actoral por Milla Jovovich, por el estudio de unos caso curiosos de insomnio.

El planteamiento inicial, sin entrar en la credibilidad de los hechos explicados, es bastante novedoso y se aparta de la linea actual de lo que podemos ver en la pantalla, si bien he de decir

que también en los inicios de "El proyecto de la bruja de Blair", se vendió el bulo de que era real. Como he dicho antes si dejamos de lado las cuestiones de veracidad, la película se mueve bien entre la imagen real de las sesiones de la doctora Abigail Tyler , grabaciones de audio y cámaras policiales, conjugándolo a veces, incluso en pantalla compartida, con la representación real por parte de un buen reparto de actores secundarios de conocidas películas.

La linea argumental es solida y bien hilada en el decálogo mitológico-fantástico que rodea a los UFO's o OVNIs. Sin desvelar demasiado de la trama, en este film de entre todos los posibles visitantes relatados por los abducidos, visionarios y demás martingalas del género, esta vez le toca el turno a los visitantes de alcoba. Estos son los que mas terror despiertan , al menos en mi, al despertarte en medio de la noche con oscuros propósitos y muy malas intenciones.

Las escenas de sobresalto en las sesiones de hipnosis, son impactantes, siempre jugando al doble juego de realidad e interpretación, aunque a momentos se pierde el halo de realidad por las situaciones exageradas que se muestran , grabaciones demasiado explicitas o por el contrario cortadas o interferidas en los momentos cruciales. En estos momentos es cuando la mosca del falso documental, te ronda detrás de la oreja.

No he investigado si los hechos que se cuentan en la película son verdaderamente reales, pero aun siéndolo, no creo que las grabaciones que se muestran en la película lo sean.

Esta claro que la parte técnica de este film parece que va a pasar desapercibida, pero creo que tiene importancia el trabajo de adaptación, usando materiales técnicos, para hacer mas creíbles las grabaciones, tanto de la policía, como de las sesiones. A nivel interpretativo destacar el buen papel de los secundarios y como siempre a Milla, que siendo actriz fetiche para muchos directores, aquí desempeña bien su papel.

En definitiva, un buena película si te dejas atrapar por el ritmo frenético y realista de idea, llegando a ser terriblemente aterradora si crees en lo que ves, pero que tras meditarla, se deshincha rápidamente, siendo una nueva manipulación mercantilista para llenar un hueco aun por ocupar: el de los Falsos documentales de OVNIS.

Lo mejor: El juego de imagen real y la actuación de las mismas escenas que hacen los actores.

Lo peor: La exageración de los "ataques" de los hipnotizados que hace que se pierda veracidad.

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SHERLOCK HOLMES

Buena Luna Criaturas.

Una vez mas incorporamos una nueva colaboradora de forma puntual, aunque esperamos que se vuelva regular con el paso del tiempo. Hoy Cris, nos da su opinión sobre la última adaptación de "Sherlock Holmes", ahí va:

SINOPSIS:

Adaptación del cómic de Lionel Wigram, que reinventaba los personajes de Arthur Conan Doyle, convirtiendo a Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.) y al Doctor John Watson (Jude Law) en detectives con habilidades para el boxeo y el uso de la espada, respectivamente.

Recién salida del cine, tras ver "Sherlock Holmes", me quedo anonadada tras una decepción de película. Tras haberla visto, noto como Sir Arthur Connan Doyle llora amargamente desde su tumba, por la blasfemia que ha hecho el ex-marido de Madonna.

Muchas preguntas surgen en mi cabeza, desde la total ruptura del estereotipo de Holmes y del Dr. Watson, quienes han pasado de ser unos investigadores, a unos buscapeleas en sesión continua, eso si, con la mejor tecnología para los movimientos en escenas de explosiones y acción.

Holmes ha pasado de ser un cínico egocéntrico pensador, fumador de opio (aunque hay un libro en el que se insinúa que es cocaína, la que le ayuda a concentrarse), agarrado a un violín (acompañado de su famosa gabardina, pajarita, pipa y sombrero...los dibujos me han marcado), a ser el guapete de la clase, paranoico que no busca el porqué de las acciones sino la repercusión que tendrán en ellas; acompañado de una serie de secuencias que me recuerdan mucho más a otra película "El club de la Lucha".

Y lo más difícil: ¿dónde está el "elemental"?... hay cosas que no deberían de perderse.

Watson...el adorable Dr. Watson se ha convertido en otro guapete busca camorra.

Otra pregunta que me surge es sin duda qué libro ha leído el Sr. Ritchie de Connan Doyle y como ha llegado a esas conclusiones. A parte que no sé si se habrá documentado, pero las llamativas gafas de sol de Holmes y que la dama Adler lleve pantalones en esa época pues...algo me da que pensar.

Llamar la atención de la estupenda actuación a mi parecer Lord Blackwood, quién hace ser lo que parece; el demonio hecho en persona para salvaguardar al mundo y convertir a Inglaterra en la Mayor de las Glorias. Para que luego al final de la película llegue Holmes y nos descubra todos los secretos de esta diabolico ser. Lo único bueno...que el secreto se desvela al final.

No dejéis escapar a Rachel Adams, algun día dará que hablar esta actriz que encandiló con "El diario de Noah"

En términos más puntillosos, doy a destacar que el atrezzo es finamente usado una y otra vez. En tres ocasiones he llegado a ver como se usaban en distintos escenarios las mismas copas...pero eso es para aquellos que busquen el gazapo difícil.

Lamentándolo mucho...aparece Moriarty y con ello una posible continuación.

Esta es mi sincera opinión, la verdad es que no me ha gustado como puede leerse claramente. Que no tengo crítica constructiva, pero es que he salido pensando que hubiera sido más constructivo irme a ver "Shin Chan, Pocoyó y los melocotones del Chacho Migué", que aunque no esté en cartelera, pronto vendrán los de Cálico a colgarlo.

PD: Me gustaría una copia del ejemplar en el que se supone que se ha basado el director. Una botella de vodka negro y una caja de eso que se ha fumado y le ha dado a los productores para que esta peli saliese a la luz...a ver si así la entiendo; claro como soy China.

PD 2: En otra ocasión comentaremos cierto albúm de ropa en las que las modelos, vestidas sutilmente con trajes de noche llevan babuchas satinadas y trapos en la cabeza al más puro estilo Chony.

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La casa muda. ¿Algo nuevo en el panorama cinematográfico de terror?

Buena Luna Criaturas.

Hace algún tiempo que supimos del proyecto que tenian entre manos unos amigos uruguayos relacionado con el cine de terror. Se trata de una pelicula muy especial rodada de forma particular y que pronto tendremos la posibilidad de ver.

SINOPSIS:

Laura (Florencia Colucci) y su padre Wilson (Gustavo Alonso) se internan en una lejana casona de campo para reacondicionarla, ya que su dueño Néstor (Abel Tripaldi), muy pronto la pondrá a la venta. Ellos pasarán la noche allí, para comenzar los trabajos al día siguiente. Todo transcurre con normalidad hasta que Laura escucha un sonido que proviene de afuera y se intensifica en el piso superior de la casona. Wilson sube a inspeccionar mientras ella se queda sola abajo a la espera de su padre….

Basada en una historia real ocurrida en un pequeño poblado del Uruguay, “La casa muda” centra su relato en los últimos setenta y ocho minutos, segundo por segundo, en los cuales Laura intentará salir con vida de una casa que encierra un oscuro secreto.

Dirigida por Gustavo Hernández, fotografiada por Pedro Luque (director de fotografía del mega éxito mundial “Ataque de pánico” de Federico Álvarez) y producida por Gustavo Rojo, con un increíble costo total de U$S 6.000, “La casa muda” se interna en el terror psicológico tan poco explorado en la región, contando una escalofriante historia en primer plano y con características que la hacen única en el mercado audiovisual mundial, ya que fue filmada en su totalidad con una SLR digital, más concretamente con la cámara Canon EOS 5D Mark II, lo que hace que “La casa muda” se convierta en el primer film latinoamericano, y el segundo film en el mundo en grabarse con una cámara de fotos. A su vez, la historia está narrada en un único plano secuencia de 78 minutos, sin cortes. Lo que la convierte en la primera película de terror en el mundo en ser realizada con este particular lenguaje narrativo.

“Plano secuencia” en términos cinematográficos se denomina a la secuencia filmada en continuidad, sin corte entre planos, en la que la cámara se desplaza de acuerdo a una meticulosa planificación, generando en el espectador la sensación real de compartir las vivencias junto al protagonista.

MIEDO REAL EN TIEMPO REAL, esa es la propuesta de “La casa muda”, película que no pasara desapercibida para todo aquel que se atreva a vivir esta diferente y perturbadora experiencia cinematográfica.

A la espera de mas datos y del visionado completo del film os dejamos con un adelanto en forma de trailer.

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UNA ESCAPADA PERFECTA.

Buena Luna Criaturas.

Volviendo al ritmo habitual de post's y de estrenos de cine del género que aquí tratamos, hoy vamos a comentar "Una escapada perfecta" del director David Twohy, que se estrena hoy mismo en las salas de España.

SINOPSIS: Cliff (STEVE ZAHN) y Cydney (MILLA JOVOVICH), son una joven pareja aventurera que está pasando su luna de miel en una de las más maravillosas y remotas playas de Hawai. Creen haber encontrado el paraíso en sus tierras salvajes y senderos solitarios, hasta que se encuentran con un asustado grupo de excursionistas que hablan sobre el horrible asesinato de unos recién casados en las islas, y comienzan a preguntarse si quizás deberían volverse.

Indecisos sobre qué hacer, Cliff y Cydney se unen a otras dos parejas, Nick (TIMOTHY OLYPHANT) y Gina (KIELE SANCHEZ) y Kale (CHRIS HEMSWORTH) y Cleo (MARLEY SHELTON), y es cuando las cosas comienzan a ir terroríficamente de mal a peor. Lejos de la civilización o de poder ser rescatados, cada uno de ellos empieza a sentirse amenazado y ya no saben en quien confiar. El paraíso se convierte en un infierno terrenal donde da comienzo una batalla brutal por la supervivencia.

Me parece muy extraño lo que esta pasando esta semana con los estrenos de cine. Al igual que ha pasado con "Hierro", una extraordinaria película, "Una escapada perfecta" esta pasando completamente desapercibida en cuanto a publicidad se refiere y en consecuencia a la hora de recaudar también pasará lo mismo. Con una pareja de actores bien conocidos como Steve Zhan y Milla Jovovich (con la tirada entre el público masculino que sabemos que tiene) y con el currículo cinematográfico del director David Twohy de las que destaca la mítica, para algunos, "Pitch Black", me resulta extraño que no se les de mas bombo. Debe ser por la crisis o por ser la quincena después de las fiestas navideñas, donde los trabajos aun andan algo a medio gas.

Pero dejando de lado disyuntivas mediáticas y centrándonos en el film propiamente dicho, he de reconocer que no me llamaba demasiado la atención. Una pareja de enamorados, asesinatos, unas islas paradisíacas... nos suenan demasiados estos argumentos como para sorprendernos. La presencia de Milla ayudaba a hacer mas tragadero el visionado, pero recordando los fiascos en los que ha participado, un sudor frío perlaba mi frente en la butaca de la sala de proyecciones.

A nivel técnico es correcta, con una buena fotografía, buenos travellings con unos parajes naturales impresionantes y una interpretación buena, dentro de un guión mediocre y desgastado. Es cierto que durante la primera hora todo se sucede entre el sopor y la incredulidad de un guión tan plano y previsible, donde los consabidos giros argumentales se huelen a horas vista, pero todo ello da un pequeño vuelco hacia la ultima media hora o veinte minutos.

Aunque todos los que hemos visto la película sabíamos que en algún momento habría un giro argumental definitivo, lo realmente sorprendente no es el giro en sí, sino la manera de llevarlo y la interpretación de los personajes. Con unos delirantes veinte minutos finales en los que se desvela todo el percal, pasamos de una plana película de asesinos en serie, a un giro casi cómico en el que los apuñalamientos, disparos, histrionismos personales y palizas, rayan el estilo absurdo de la mítica "Bad Taste" de Peter Jackson. Lo verdaderamente terrible es que lo único que merece la pena son estos últimos minutos, siendo el resto del metraje un aburrimiento soberano.



Lo mejor: La escena del disparo en la cabeza y como el personaje lo soluciona como el protagonista de "Mal Gusto".

Lo peor: Un guión aburrido donde no hay ni chicha, ni limoná.

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HIERRO.

Buena Luna Criaturas.

Después de unos cuantos días de absentismo por mi parte, cediendo protagonismo a la sección escrita, volvemos a la carga con el cine que nos viene de nuevo en este año 2010 que empezamos. Esta semana se estrena "Hierro", una de las películas que mas gratamente me sorprendieron el año pasado en Sitges y que aprovechando que ya la he podido ver, os comento tal y como lo hice tras verla en el Festival.

"Después de ver en la alfombra roja de entrada al Auditori a una espléndida, aunque delgada en extremo Elena Anaya, acompañada por el director Gabe Ibáñez y el guionista Javier Gullón, hemos podido disfrutar de dos al precio de uno.

Para empezar hemos podido ver "Alma", un cortometraje incluido en la sección Anima't Curts y que se estrenó en la inauguración. Siendo el primer cortometraje de Rodrigo Blaas, animador en Pixar, es un cuento siniestro que reúne entre su equipo creativo y técnico a un auténtico dream team de la animación contemporánea y eso se nota tanto en el guión, como en la imagen, genial aperitivo para lo que se avecinaba.

Para continuar y después de una presentación del trío que ha desfilado por la alfombra roja, nos adentramos en "Hierro", el primer largo del director Gabe Ibáñez, que es conocido por su trabajo como creador de efectos especiales, colaborando en películas como "El día de la bestia (95)" de Alex de la Iglesia.

SINOPSIS: En plenas vacaciones en El Hierro, Diego, un niño de cinco años, desaparece. Seis meses después, su madre, María, recibe una llamada: han encontrado el cuerpo de su hijo y debe regresar a la isla. En el paisaje rocoso canario, María comenzará a sospechar que Diego sigue vivo.

Lo primero que impacta de la película es la suavidad de imagen, una fotografía personal muy bien cuidada, que unido a unas localizaciones extraordinarias y un casi perfecto trabajo de cámara, hacen que la potencia visual y técnica de "Hierro" sea terriblemente especial y encantadoramente bella.

Con una tensión suavemente creciente, aunque no carente de intensidad, se nos lleva de la mano de la madre de Diego, una extraordinaria Elena Anaya, que sabe transmitir a la perfección sin aspavientos desmedidos, una desesperación brillante por la desaparición de su hijo. Todo ello aderezado por unos compañeros de reparto que cumplen a la perfección con su papel oscurantista y que te llevan de un supuesto final a otro a lo largo de toda la película.

Un guión bien hilado y extrañamente coherente para lo que estamos acostumbrados, hace destacar a un equipo que ha tenido la experiencia de participar en los últimos éxitos del cine de terror español. En momentos terriblemente tensa y con una dirección genial que, a mi entender, hacen descubrir a nuestro propio M. Night Shyamalan, encarando en un humilde Gabe Ibañez que nada tiene que envidiar al famoso director de Hollywood.

Como colofón y para tenerla que ver otro par de veces, el equipo ha incluido en los decorados de las escenas muchos guiños animados, que pasan prácticamente desapercibidos, pero que crean una sensación de desasosiego tremendamente agradable, dando un punto muy original y trabajado a una parte de la película que, si bien puede pasar inadvertida, suma en la atmósfera de tensión del gran thriller que han creado.

Estéticamente bella, perfectamente interpretada, técnicamente sobresaliente, parece sin duda la película española del año."

Espero que podais disfrutar de esta buena película, de la que poca promoción se esta haciendo y que mucho me temo que pasará tristemente desapercibida por nuestras salas de cine.


Lo mejor: El final y la interpretación de la protagonista.

Lo peor: O menos bueno, la manía de los directores de utilizar un flash back educativo para hacernos entender sus finales.

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Encima y debajo, por James Sturm

ENCIMA Y DEBAJO
Dos historias de la frontera americana
Por James Sturm
Ed. La cúpula – 2007
ISBN: 978-84-7833-796-5

Encima y debajo nos convierte en espectadores de dos relatos sórdidos y oscuros, en los que el miedo forma parte del paisaje de la historia de los Estados Unidos.

El Renacimiento, se situa en Cane Ridge, Kentucky, 1801. Donde miles de peregrinos miran hacia el cielo para encontrar la salvación.

La segunda historia, A cientos de pies bajo la luz del día, ocurre unos años más tarde. En el Barranco de Solomon, Idaho, 1886. Donde encontramos a los últimos habitantes de una ciudad minera que continúan cavando hacia abajo.

En una tierra sin límites, los tentáculos de las sombras se extienden sin restricciones azotando con furia los cuerpos exhaustos de los colonos.

Encima y debajo nos habla de ataúdes, de encuentros sectarios, de fervor religioso irracional, de chinos explotados, de minas yermas, de fortunas enterradas y de niños muertos. El cielo y el infierno. La fe y el sueño de encontrar un tesoro bajo tierra. Ese Dios cruel y esas minas convertidas en averno. Encima y debajo.

Sturm nos muestra a personas conviviendo con la desesperanza y agarrándose a la fe. Nos enseña las vidas perdidas, los hombres cegados por la fiebre del oro, los desheredados buscando una oportunidad. El lado oscuro de un tiempo y un lugar, que constituye parte de la historia estadounidense.

Una completa nota biográfica nos explica quien es este profesor que retrata los pies de barro de la gran potencia.

“James Sturm, neoyorquino del 65, es uno de los autores más inclasificables e inquietos del panorama americano, además de uno de los más comprometidos con la enseñanza del medio en academias y universidades.”

“Su título más conocido hasta la fecha es The Golem’s Mighty Swing, punto final a Encima y debajo que la revista Time escogió como mejor novela gráfica del año 2000.”

Los relatos de Encima y Debajo van acompañados de fantásticos antecedentes históricos, testimonios y fuentes bibliográficas, que aportan luz a los acontecimientos narrados. Asimismo, nos dejan una pequeña joya, la imagen de un dibujo reproducido de Frank Marryat que representa el funeral de un minero, en el cual descubrieron oro en su tumba.

“El predicador se detuvo y preguntó inquisitivamente:

‘Chicos, ¿qué es esto?’, echó un vistazo al suelo, y gritó,

¡Oro! ¡Oro! ¡Y la más rica de los tipos de excavaciones!

¡La congregación se disuelve!

El minero muerto fue enterrado en otro lugar y la comitiva fúnebre, con el pastor a la cabeza, no perdió el tiempo y se puso a explorar y cercar con estacas la nueva excavación!”

Una gran lección sobre esa época lúgubre que a menudo se elude en las clases, porque la realidad histórica da mucho, mucho miedo.

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El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas. Haruki Murakami

El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas

Haruki Murakami
Tusquets Editores


Si no fuera porque siempre he escogido los libros que he criticado según impulsos liderados por el estandarte del eclecticismo, muchos pensaríais que sin duda desvariaba al incluir un texto de Murakami entre las reseñas de este blog. Nada más desacertado, os aseguro que Haruki Murakami se ha metido de lleno en la ciénaga de la ciencia ficción con los dos pies y con intenciones de darse algo más que un paseo de domingo por la tarde, tanto como que mi sentido de la orientación y la conducción personal sigue pendiendo de un hilo de seda como siempre a pesar del cambio de año, que aseguran que cura sana cura sana.

Tras haber publicado en España seis novelas y un libro de relatos en Tusquets Editores, donde el patrón consistía en desentrañar si el hombre posmoderno tiene realmente algo de hombre o si en realidad resulta que el elegante encanto de navío a la deriva que lo eleva un palmo del suelo se queda en realidad en el vacío atributo que le acompaña, nos llega esta novela de aún más extraño título en la que, sin abandonar este prolífico proyecto de indagación, se arremanga la camisa para mostrarnos que es capaz de afrontar nuevos horizontes; una demostración de fuerza para los que lo han tachado siempre de autor circular condenado a reescribir mil veces el mismo libro. El fin del mundo y un despiadado país de las maravillas (para facilitar las cosas, EFMyDPM) utiliza el habitual formato Murakami de historias paralelas que se alternan en los capítulos del libro, y que no se sabe cómo convergen en los episodios finales para completa confusión de unos esperanzados lectores que repiten la receta a pesar de las reiteradas frustraciones a los que somete una y otra vez el autor. La primera de las historias se desarrolla en El fin del mundo, una ciudad amurallada perfecta que reclama de sus habitantes el corazón y su sombra a cambio de la paz absoluta, y la segunda, en un Despiadado país de las maravillas sito en el Tokio de inicios del siglo XXI, pero en versión ciencia ficción distópica: el control de la información está en manos del Sistema, una megaempresa que lucha incansablemente contra la organización clandestina rival conocida como Factoría y que agrupa a los despiadados semióticos (otros tipos aún más siniestros que disfrutan comiéndose a los humanos, los Tinieblos, también complicarán las cosas). El protagonista de El fin del mundo entra en la ciudad amurallada con el objeto de leer los antiguos sueños almacenados en cráneos de renos, mientras que el de El despiadado país de las maravillas es un técnico calculador -una especie de informático- encargado de encriptar información sensible para el Sistema mediante el uso de una sofisticada técnica mental y que, por causa aceptar el encargo de un alucinado científico, se ve envuelto en las peligrosas luchas de poder entre las organizaciones antagónicas. A pesar de lo disparatado que os pueda parecer este argumento, tras añadirle las imposibles simbologías de Murakami y los habituales devaneos líricos-mágicos de la literatura japonesa contemporánea la cosa deviene aún más estrambótica. Si bien tanto la trama como la ambientación son ciencia ficción al servicio de objetivos superiores, EFMyDPM se enmarca en este género con total compromiso.
La historia de EFMyDPM sigue una línea poco habitual para una novela de aventuras aunque perfectamente trenzada, con momentos de clímax, valles, enredos y resolución de enigmas repartidos en un ordenado desconcierto, y con un final poco o nada resolutivo que se extiende por varios capítulos enredándose en aparentemente inocuas descripciones costumbristas que van a dejarnos un agradable regusto de inaprensible sabor. Terminamos y queremos más, aun cuando parece que no hemos hecho otra cosa que pasar de puntillas por la desbordante imaginación de un lunático en pleno delirio. Las obras de Murakami siempre me causan este efecto, y EFMyDPM no es la excepción, parece que nunca pasa nada pero la tenue vibración que percibimos en su interior sintoniza perfectamente con la nuestra, y la reclamamos una y otra vez. Cuando termino un libro de Murakami siempre me prometo que va a ser el último, hasta que nos reencontramos en la mesa de novedades, qué se le va hacer, se trata de una debilidad personal que comparto con millones de Murakamizados lectores.
Los personajes de EFMyDPM, el lugar donde se echa toda la carne al asador, son triviales e insulsos, parece que sólo paseen sus huesos por este mundo sin importarles nada el tránsito al otro, las emociones no les modifican el gesto y se conducen tomando decisiones carentes de objeto y asentadas en convicciones apenas aprehensibles, les acuchillan y no oponen resistencia, hacen el amor con la misma pasión con la que se anudan la corbata. Sin embargo, de alguna manera nos resultan humanos, les comprendemos, compartimos su constante duda y les queremos, nos vemos reflejados en su fragilidad. El hombre posmoderno me resulta indefendible e indeseable, pero en parte le estimo, quizás porque se parece tanto a mí. Haruki Murakami es el escritor con mayúsculas de un prototipo generacional, y los que pertenecemos a esa generación no podemos sustraernos a su embrujo. Mi tesis se completa con la convicción de que parte de la trampa radica justamente aquí, los protagonistas de Murakami son tan corrientes y escasos de mérito que no nos exigen esfuerzo alguno para identificarnos con ellos y, para postre, les suceden cosas extraordinarias, son nucleares en historias que les caen encima como de un guindo y que todos ansiaríamos protagonizar. Además, y para enlucir un tanto a tan insípidos personajes, Murakami dota de significación los acontecimientos que les ocurren, por triviales que resulten, con lo que hace único y especial a cada humano; un anhelo que también compartimos todos nosotros.
En cuanto al aspecto formal de EFMyDPM, la ambientación es sobresaliente: Murakami afronta el reto que se ha propuesto con una solvencia sólo al alcance de los más experimentados escritores de ciencia ficción, por surrealista que sea la situación que nos presenta, jamás pierde el rumbo ni la sensación de verosimilitud y es capaz de argumentarla acudiendo a comprensibles aunque delirantes motivos, las escenas de acción son trepidantes y las transiciones sutiles. Además, y para escarnio de críticos esteticistas, consigue combinar con éxito en un mismo texto dos historias que discurren por cauces aparentemente irreconciliables y pertenecientes a mundos dispares: el de la ciencia ficción futurista y el de la fantasía mágica.
Sin alcanzar la altura del modelo que consiguió en Tokio blues, la nueva novela de Haruki Murakami viene a reforzar con una nueva aleación de sólidos materiales los cimientos del personal edifico que se trae entre manos y en el que confía plenamente, pues no lo ha abandonado un solo momento en tantos años de profesión. Murakami, como el conocido arquitecto catalán que apasiona a los japoneses, ha sido tan denostado y criticado como ensalzado y, casi con toda seguridad, su estilo perdurará para gozo de los lectores de todo el mundo más allá de su desaparición (esperemos lejana y menos traumática que la de Gaudí). EFMyDPM no es tan sólo una notable novela sino también un sobresaliente experimento de género que deseamos que no haya colmado las ansias exploradoras de Murakami, y que se repita el invento.

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Gothic art now : ilustración gótica contemporánea / Jasmine Becket-Griffith

Gothic art now : ilustración gótica contemporánea / Jasmine Becket-Griffith.

Becket-Griffith, Jasmine.

Barcelona : Gustavo Gili, cop. 2009.

ISBN: 9788425222856.

La Editorial Gustavo Gili nos presenta GOTHIC ART NOW por Jasmine Becket-Griffith. Una auténtica delicia visual que nos muestra los mejores exponentes del género de ilustración gótica en el panorama internacional.

En esta auténtica joya encontraremos mujeres fatales, hombres de negro, elegancia gótica, terror, gótico industrial, fantasías oscuras, creaciones siniestras y viñetas lúgubres. Ciento noventa y dos páginas de contrastes, de estética inquietante y de belleza macabra.

El libro incluye obras inéditas de profesionales consolidados y de nuevos valores en alza del sector, así como imágenes extraídas de los últimos y más vanguardistas lanzamientos en otros medios, como en el diseño editorial, de juguetes, de moda o publicitario.

El prólogo del artista/escritor/ilustrador Brom resulta iluminador en referencia al sombrío encanto del arte gótico.

“…si me encargasen pintar una tostadora, posiblemente querría cortarme las venas, pero si me encargasen pintar una tostadora malvada, estaría más contento que un necrófago en un cementerio. Y si le hicieras la misma pregunta a una docena de estudiantes de primaria, obtendríais la misma respuesta entusiasta. ¿Por qué? Porque lo conflictivo atrae, y existe un conflicto inherente en lo oscuro, lo siniestro y lo trágico. Una pintura de una dama candorosa sentada en un jardín puede ser bonita, pero si le añades unas cuantas calaveras a sus pies…¡Oh!”

Queda claro.

Así pues, aunque la estética gótica pueda parecer de gusto infantil, su belleza y atractivo está fuera de dudas. Gothic Art now despierta el niño miedoso que hay en todos nosotros y que contempla entre temblores, deseo y curiosidad, imágenes que tanto nos muestran el lado oscuro de la vida como la hermosura de la muerte.

Además el libro es grande y cuadrado, de papel satinado y encuadernación rústica. Perfecto para hundirse en el sofá, abrirlo de par en par y alucinar como niños pequeños ante este derroche de fantasía y creatividad.

Así es fácil dejarse llevar y darse un gustazo visual.

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NUMERO 9.

Tuve la oportunidad en el Festival de Sitges de poderme deleitar con la visión de la película "Numero 9", que este enero se estrena en todos los cines y que os recomiendo encarecidamente.

Un filme producido por Tim Burton ("Sweeny tood") y Timur Bekmambetov ("Wanted"). Dirigido magníficamente por Shane Acker, director novel no muy conocido, sólo ha dirigido dos cortos siendo el último nominado al Oscar en el 2005 y que ha convertido en este largometraje (os recomiendo que lo veáis antes de la película, os haréis una idea).

SINOPSIS:

Cuando 9 abre sus ojos por primera vez se encuentra con un mundo desolado en el que los humanos no son más que un lejano recuerdo. En su lugar se encuentra con una pequeña comunidad de “criaturas” como él, refugiados, escondidos de las feroces máquinas que parecen empeñadas en acabar con ellos. Así, pese a ser un neófito en el grupo, 9 tratará de convencer a los otros de que ocultarse no es la solución y que la única forma de sobrevivir es tomar la iniciativa para descubrir el motivo por el que las máquinas quieren destruirles en primer lugar. Pronto descubrirán que el futuro de la civilización puede depender de ellos.”

Parece imposible que personajes tan inertes como los protagonistas de esta historia, sean capaces de transmitir tantas emociones, me recuerdan a WALL-E (Disney), aunque Shane se inspiró en directores como Jan Svanktajer, Quay y Lavenstein.

Muñecos de hilo de solo 20 centímetros ( de estilo “ stitchpunk”) envueltos en un mundo completamente destruido y oscuro , sin ningún resto de vida a su alrededor, solos. El director utiliza como recurso para dar esa imagen de ternura inconfundible, la expresión de los ojos (recurso no obstante que se utiliza para humanizar en animación a los personajes mecanizados, de manera frecuente) con la diferencia que simplemente se mueve la pupila se abre y cierra según la emoción del momento, transmitiendo los sentimientos a la perfección.

La puesta en escena es espectacular y eso que el presupuesto no era exagerado, pero han sabido plasmar a la perfección ese mundo oscuro, oxidado y retro que hace tremenda la imagen. Un despliege de talento sin duda.

La historia es buena, simple, nada compleja, quizás lo más flojo de la película aunque el desarrollo de los personajes le infunde fuerza. En mi humilde opinión el guión es lo más flojo, pero la imagen y los personajes tienen tanta fuerza que si a veces el guión es flojo no te das ni cuenta.

La recomiendo con todo el cariño, ¡una película espectacular!

VALORACIÓN:

Lo mejor: Los personajes y la estética.

Lo peor: Aunque la idea es buena, el desarrollo es flojo.

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BIENVENIDOS A ZOMBIELAND.

Buena Luna.

Desde que se estreno en Sitges he estado deseando comentar para nuestro blog "Bienvenidos a Zombieland"del debutante Ruben Fleischer, película ganadora del premio del público en esta última edición y que siendo de uno de mis géneros favoritos, no podía dejar pasar.

SINOPSIS:

En un mundo plagado de zombis, Columbus (Jesse Eisenberg) es un gallina, un joven que se encuentra aterrorizado por la situación, pero cuando te juegas el ser comido por los zombies, el miedo puede mantenerte vivo. De hecho su cobardía precisamente le ha permitido que sus sesos aún se mantengan en su cabeza. Sin embargo, Columbus se verá forzado a sacar el poco valor del que dispone para unirse a una banda de supervivientes a la que pertenece un cazador de muertos vivientes del que se hace amigo. Tallahassse (Woody Harrelson) es un macarra caza zombies cuya única determinación en su vida es lograr el último Twinkie (dulce americano) en la tierra. Cuando ambos unen fuerzas con Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin), que también han encontrado una manera original de sobrevivir en ese caos, tendrán que elegir que es peor: si confiar los unos en los otros o sucumbir ante los zombies.

Siempre que veo una película de zombis, mi referente es la inicial obra del padre de todos los muertos vivientes George A. Romero, que en clara caída libre hacia su propia decadencia en el género zombie, pasando de ser el rey a mero bufón, con obras como la ultima "George A. Romero's survival of the death" indiscutiblemente mala, de pésima calidad y nulo atractivo.

En el caso de Zombieland, vuelve a pasarme lo que muchas otras veces me ha pasado, ¡estos zombis corren mucho! Se que es un disyuntiva un tanto snob, pero a mi me gustan los zombis lentos, que te envuelven como masa y que al igual que los psicópatas clásicos, por mucho que corras acaban alcanzándote.

Una vez aclarado el punto de la velocidad de los no muertos, he de decir que la película tiene un reparto estelar, para tratarse de una de zombis: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone, Abigail Breslin... Todos ellos actores mas o menos consagrados, tanto jóvenes como el veterano Woody. Como mérito para este reparto decir, que no solo son nombres y que cumplen a la perfección la caricatura de cada uno de los personajes típicos de las películas de catástrofes, jugando muy bien las cartas de la comedia y el romance adolescente.

Acción, golpes, sangre, humor y las mas variopintas formas de matanza zombie, se dan lugar en esta película, donde disfrutas sin parar de situaciones alocadas que son claramente lo que hizo las delicias del publico asistente al Sitges 2009. Muy innovador y sorprendente es el decálogo de normas que explica y pone en marcha Columbus durante el desarrollo, que le da ese toque original.

La trama en sí, conocida aunque con novedades: Superviviente pardillo, con superviviente duro, conocen chicas y pardillo se enamora de guapa de turno. Situaciones de humor a raudales que devuelven al género zombie de humor algo de su glorias pasadas, culminando con la aparición estelar de Bill Muray, que una vez mas vuelve a hacer de sí mismo ( como en la genial "Lost in translation") y acaba de volver la situación inverosímil y absurda, rizando el rizo.

Gran película en su ámbito terrorífico de los muertos vivientes, pero básicamente es una película de humor, con momentos gore y acción. Para los que seáis mas amantes de un género zombi mas purista y sin una pizca de gracia, os recomiendo la también estrenada en Sitges "La Horde" que aunque con zombis corredores, es mas brutal e impactante.

Lo mejor: Las escenas absurdas con Bill Muray.

Lo peor: El abuso de algunos chistes sobados y acción desmedida.

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DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS.

Buena Luna Criaturas.

Después de varias semanas en la que el ritmo de post ha bajado sensiblemente y después de comprobar en nuestras carnes lo cercano que es el horror verdadero y cotidiano en nuestras vidas, con una sonrisa amable a causa del recuerdo y una lágrima perpetua en el corazón, continuamos nuestra vida de la mejor manera que podemos.

Para volver a coger el ritmo y ante unas poco alagüeñas navidades, vimos "Where The Wild Things Are" la adaptación del libro infantil de Maurice Sendak que ha hecho para la gran pantalla el director Spike Jonze.

SINOPSIS:

Where The Wild Things Are’ es una adaptación del clásico cuento para niños de Maurice Sendak, protagonizado por Max, un desobediente niño que es enviado a la cama sin cenar y que crea su propio mundo imaginario: un lugar poblado por feroces criaturas que le tienen a él como líder.

Cuando me enteré de la adpatación del famosísimo cuento de uno de los mas laureados ilustradores, la verdad es que me emocioné ante la espectativa de encontrar algo diferente en una película infantil, apartándose tangencialmente del típico cine familiar que nos llega de los Estados Unidos. Si a lo anterior sumamos que el director de tal adaptación es el creador de una de las obras de culto del cine contemporáneo como es "Como ser Jhon Malkovich" parece que los astros se han alineado.

El inicio de la película es emocionante con una fotografía nítida y de colores terrosos que nos meten de lleno en la mente del protagonista de la historia, Max, un niño cualquiera, de una familia cualquiera, que no entiende el mundo de los adultos y utiliza su imaginación para evadirse. El ritmo es pausado, pero no lento y hasta el inicio de la ilusión que tiene Max con su "mundo ideal" parece que incluso tiene un pequeño in creccendo y un sentido oculto, que nos llevarán a una catarsis de autoconocimiento y descubrimiento de nuestro propio Yo a través del idilio mágico de Max con sus amigos los monstruos, que será apoteósico.

Pronto esa sensación agradable, adornada con una personificación perfecta de los monstruos creados por Maurice Sendak, deja paso a un aburrimiento, una falta de claridad en el desarrollo, un absurdismo y una apatía en la interpretación de las reacciones de los personajes, que pronto hacen que tengas ganas de cerrar los ojos, no para reflexionar, sino para dormir plácidamente.

Tremendamente pretenciosa, hasta el extremo de no explicar nada, puesto que debo suponer que los creadores creen que hasta los que no sabemos nada de la obra del ilustre ilustrador y del cineasta adaptador, vamos a llegar al Nirvana de la metafilosofia cuántica y vamos a entender un cuento sin moraleja. ¿A que estamos jugando? ¿A rizar el rizo? Debo reconocer que el cine en el que se filman bolsas de plástico volando o en el que por decorado se entienden trazos de tiza en un suelo oscuro, no son de mi agrado, no me apetece hacer el esfuerzo de entender y creo están instaurados en un élite cinefila que se alegran de haberse conocido.

En definitiva una película vendida como infantil, que de infantil no tiene nada y que aunque con buenos visos de metáforas, imagen perfecta, mejor banda sonora, efectos y nominada en los Globos de Oro, se queda en un bluf de boina y pipa de las que solo nombrar dan rabia.

Lo mejor: Dar vida a los monstruos ideados en papel.

Lo peor: La pérdida de fuerza del mensaje al intentar rizar el rizo.

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AVATAR.

Antes que nada vamos a ventilar de un soplido el tedioso episodio del resumen argumental.

Sinopsis:
Una colonia de humanos mineros que extrae un valioso mineral del remoto planeta Pandora reclama los servicios de

nuestro protagonista, James Sully. Éste es un ex militar paralítico del cuerpo de los Marine americanos que se ha dejado convencer para sustituir a su hermano gemelo científico en el proyecto Avatar, el cual persigue entrar en contacto con los nativos de Pandora para negociar los acuerdos de la explotación minera del planeta. Para ello, el proyecto Avatar utiliza organismos desarrollados in vitro, y similares a los de los nativos, que son controlados mentalmente por los científicos del proyecto. De esta forma, James entra en contacto con el pueblo Na’vi y obtiene su confianza, además de aprender su forma de vida y transformarse en uno más del pueblo. Todo vendrá a torcerse cuando las sanguinarias maquinaciones del Coronel Quaritch convencen al responsable de la empresa minera de que la solución para acelerar las extracciones pasa por una acción militar expeditiva contra los nativos.

A la vista está que no se trata de un prodigioso guión en el que prime el ingenio y la novedad. Nada más lejos, el punto flaco de todo el extraordinario artificio está en lo de siempre, el argumento, si le dedicaran sólo un cuarto del tiempo de producción a elaborar un guión con cara y ojos una futura legión de enamorados del cine estaría dispuesta a dejarse parte de su salario de los próximos 30 años para evitar que las salas de cine no pasen a la historia. En fin, así está el patio.Avatar es 100% James Cameron y, así, reúne todas sus virtudes y sus peores vicios: es puro espectáculo, una experiencia visual –y auditiva- que da por válidos todos los halagos que le han caído en gracia durante la promoción, ambientado en un mundo creíble y poblado con una fauna exótica y una flora amazónica real como la vida misma. Los Na’vi son tan reales como los humanos y, por primera vez –desde que recuerde-, tanto sus movimientos como la gesticulación de sus facciones es tan veraz que nunca te planteas la posibilidad de la farsa. El trabajo de diseño de los animales que pueblan Pandora, la esmerada dedicación preciosista en cada detalle de la selva, en los insectos que revolotean constantemente a tu alrededor, en los sonidos que emiten las bestias y los pájaros, en los colores que inundan el bosque, en el detalle de las máquinas y las naves, hacen de Avatar un auténtico punto de inflexión en la posibilidad técnica de crear nuevos mundos. Una sola escena de la película barre de un plumazo toda la segunda trilogía de Star Wars. Eso sí, montado sobre un guión hueco como una calabaza de Halloween. Aquí el trabajo de los actores, en papeles de poco lustre, añade calidad y consigue dar volumen a lo que de otra forma sería plano como un papel (al pobre Stephen Lang, que hace de imposible Coronel Quaritch, le ha tocado bailar con la más fea).

Sin embargo vamos a dejar que James Cameron salga vivo de esta. Lamentablemente ha escrito un texto donde cada línea responde a una referencia fílmica previa y supersabida (que sigue la tortuosa línea de La diligencia-Alien-El Rey León-El Sargento de Hierro-La Misión): más allá de que el argumento sea previsible desde la segunda escena, que la historia de amor no tenga ni pizca de picardía y de que acuda a una trilladísima moral de buenos y malos que ni en el más tronado de los westerns crepusculares, hay que reconocerle que la película emociona y que nos sabe a gloria la paliza final que le meten los Na’vi al malo Coronel. A todo lo cual debo añadirle un visto bueno al alegato ecologista que acompaña toda la película que, aun pecando de oportunista, es necesario y saludable en los tiempos que corren. La verdad es que de buena gana renunciaría a la lavadora y al lavavajillas con tal de poder corretear medio en pelotas el resto de mi vida por un planeta tan lleno de vida, aventura y peligros como Pandora.
Resumiendo, Avatar es de obligada visión por la asombrosa habilidad técnica que permite hacer realidad lo que de otra forma solo sería imaginación, guiones aparte. A este respecto, que a nadie se le ocurra verla en otro formato que no sea 3D (un salto cualitativo de canguro con respecto a las experiencias anteriores), la mitad del embrujo se le escurrirá por el sumidero. Bajársela –legalmente, claro- para verla en una pantalla plana surte el mismo efecto fraudulento que comerse una paella de bote.

Lo mejor: La impronta de James Cameron en la recreación del planeta Pandora.
Lo peor: La impronta de James Cameron en el guión.

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¡ARRANCA LA SECCIÓN DE RELATOS!

Buena Luna Criaturas.

Hace tiempo ya que llevamos rondando, los que formamos la pequeña familia de Criaturas, crear una sección de relatos. Pues bien después de varias reuniones, alguna rompedura de cabeza y poco diseño, podemos dar el pistoletazo de salida para una de las secciones de nuestro mundo de fantasía y terror a la que mas ganas teníamos, coincidiendo con estas fechas navideñas.

Queremos que participéis activamente de esta sección y por ello, a parte de la publicación de relatos de algunos de nuestros colaboradores habituales, nos proponemos hacer un llamamiento para todos aquellos aficionados a la escritura, al terror y a la fantasía, para que nos hagáis llegar vuestros trabajos de forma que todos los que disfrutamos haciendo y viendo CRIATURAS DE LA NOCHE, nos podamos deleitar con su lectura.

Los que nos seguís de forma habitual sabéis que tenemos una sección de crítica de cine, literatura y cómic y que este año también hemos celebrado el primer concurso de cortometrajes con nuestro nombre, pues bien, sabed que si todo funciona como nos gustaría, tenemos pensado asociar el concurso de cortos a un concurso de relatos entre todos los que nos lleguen a CRIATURAS DE LA NOCHE Relatos.

Para romper el hielo y demostraros que todos sois bienvenidos, el día 1 de enero de 2010, arrancaremos de forma activa la publicación de relatos con el relato "MEGAPIXEL" de nuestra compañera Patricia Muñiz, increiblemente ilustrado por nuestro amigo Héctor Sanz.

Esperando ansiosos vuestro mas oscuros, ilusionantes y fantasiosos trabajos, os dejo con las bases para la aceptación de vuestras obras en nuestro humilde blog:

Bases:
-Número de palabras máximo 5.000.

-Aceptamos relatos en castellano, catalán e inglés (añadiremos nuevas lenguas según las vayamos entendiendo).

-Junto con el texto, tenéis que indicarnos el tema, que debe ser uno de los siguientes: Terror, Ciencia ficción, Misterio, Fantasía y Épica fantástica.

-Publicamos los textos acompañados del nombre del autor. Sin embargo, si preferís que no se incluya vuestro nombre o que lo firmemos con un apodo, recordad indicárnoslo en el correo electrónico.

-Enviadnos los originales a: criaturas@hotmail.es

-Vamos a valorar los relatos para mantener una calidad media equilibrada en toda la sección. Esta valoración, que no hacemos pública, la realizamos un mínimo de tres miembros del Grupo de críticos de la sección de relatos y versa sobre la aptitud del texto para ser publicado en el blog. Aquellos textos que sobresalgan por su calidad, los posteamos acompañados de la leyenda Recomendado.

-Finalmente, desde el Grupo de críticos de la sección de relatos queremos deciros que vamos a realizar nuestra labor crítica con el máximo rigor y respeto a vuestro trabajo.

¡Estamos ansiosos de recibir vuestros textos!

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Olimpita: un horror demasiado cotidiano.

Olimpita.
Hernán Migoya y Joan Marín.
NORMA Editorial 2009
ISBN: 978-84-9847-858-7

Primera sacudida. Los trayectos, las esquinas, las fachadas, los portales, los balcones… Los giros de una historia, fuerte y violenta, que da la vuelta al barrio de Gracia.

¡Mi barrio!

Joan Marín lo dibuja con excelencia y las teclas de Hernán Migoya lo retratan con mirada audaz. Se nota que lo han vivido. La esencia de familiaridad transpira poderosa todo el relato. Lo han clavado.

Olimpita narra una historia brutal, muy dura por lo realista que llega a ser. La leo y pienso, son mis escenarios, pero no es mi mundo, es demasiado oscuro para soportarlo, es un infierno. Y ocurre aquí mismo, en las calles que recorro cada día y que ahora sé, pertenecen a un mundo paralelo. No, no sólo a uno, a más de uno, a muchos, a tantos como personas desfilan por él.

Porque todas las personas tenemos una historia y a algunos, como a este par (Migoya y Marín), se les ocurre contarlas. Violencia doméstica, inmigración, cárceles personales. Insisto, varios infiernos convergiendo y anestesiando la capacidad de horrorizarse, hasta que esa ironía inteligente que atraviesa todo el relato te sacude, como el chasquido de un látigo, una y otra vez, en medio de la lectura, recordándote que la vida puede ser hermosa, si sabes luchar por ella.

Ass mirando unos mocasines, Olimpita explicando el significado de un nombre, los sueños novelescos con el príncipe de Ébano, los besos que borran moratones o el diálogo en el “sube y baja”, son algunos de los momentos cumbre. La belleza que emerge en medio del abismo. Una belleza que brilla y a la vez, duele.

También sonreímos ante situaciones curiosamente reales, como el éxito de Ass atendiendo la parada del mercado, o la versatilidad que puede tener un pene expresivo. Humor que alivia el horror. Y el sexo omnipresente. Convertido en un umbral, en una puerta, una salida, una escapatoria, una ilusión, un sueño, una pesadilla.

Pero Olimpita es ante todo, una historia de tristeza profunda. Porque cuando acabas de leerla piensas ¡Joder, qué mierda todo! Y a la vez ¡Joder, qué diferente podría ser todo! Y también ¡Y qué fácil sería! ¡Qué fácil…! ¡Qué fácil…! Y esta última idea de esperanza es con la que me quedo.

Porque yo seguiré perdiéndome en historias menos realistas y más soportables para mi sistema nervioso. Porque también seguiré viviendo en Gracia. Mi barrio. Y seguiré comprando en l’Abaceria. Mi mercado. Y continuaré en mi mundo paralelo, feliz por haber leído Olimpita y por haber comprendido algo de ese otro mundo al que me cuesta tanto mirar de frente, aunque transcurra por las mismas calles que pateo cada día.

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Resistance. Panini Comics.

RESISTANCE.

COSTA. PEREZ SMITH.

Panini Comics.

Buena Luna criaturas de la noche.

Después de un periodo donde las entradas han brillado por su ausencia, volvemos a la carga. Esta semana que se avecina como no tiene previsto ningún estreno de cine del genero del que nos ocupamos, rebuscaremos entre estanterías de librerías y tiendas de comics. Después de revisar las novedades que pude encontrar en unas desvalijadas estanterías y ver que no había nada que me llamase poderosamente la atención me fijé en la dura portada del comic del que vamos a hablar hoy.

"Resistance" un interludio en formato cómic de la serie de juegos de Playstation "Resistance: Fall of Man" y "Resistance 2" y de PSP "Resistance Retribution", nos muestra un punto intermedio de la historia que desarrolla el videojuego tanto de PS3, como de PSP.

La historia básica del cómic y de la saga de videojuegos, se basa en la invasión de Europa por parte de unos seres alienígenas llamados Quimeras. Dichas Quimeras llegan hasta nuestro mundo en un meteorito que se estrella en la Siberia Rusa en 1908 y que en 1948 invaden Rusia y desde ahí inician un ataque a todo el continente para dominarlo. Seres monstruosos a medio camino entre Aliens y Predators y con un tecnología muy avanzada, conquistan fácilmente todo Europa.

El hilo argumental en torno al que giran tanto cómic, como videojuegos es bueno, aunque algo trillado, pero desde luego ese halo de los años cincuenta con un armamento surgido de la reciente 2ª Guerra Mundial, despierta en mi gratas sensaciones.

Entrando ya mas en profundidad y en exclusividad a hablar del cómic, éste hace referencia a dos momentos puntuales dentro del desarrollo de la historia. Una primera historia mas compleja y larga, nos muestra el intento de las Quimeras de iniciar la conquista de EEUU a través de Alaska y como éstas controlan un centro de investigación especial donde se desarrollaba una arma definitiva. EEUU envía inmediatamente un escuadrón de un cuerpo de élite especialmente adaptados a la lucha contra los alienígenas. Entre ellos se encuentra el Sargento Capelli, viejo conocido del primer videojuego de PS3. A nivel gráfico, esta historia se encuentra muy cercana al típico cómic americano con tonos oscuros y tintes en colores básicos, que si bien sirven para acompañar el desarrollo argumental, no aporta demasiado.

La segunda de las historias se centra en los inicios de la conquista de Inglaterra por parte de las Quimeras, donde aparece también el héroe de la historia del juego de PSP James Grayson. En ésta nos desentrañan, en una historia corta, la forja de un líder en la lucha contra las bestias. Aquí hay un cambio de estilo en la ilustración y aunque se mantiene la tónica de la anterior, el tintado y el diseño en negro es mas personal y forzado, dando un estilo mas personal a la historia, aunque desde luego hay que decir que este cómic no deslumbra por una imagen impactante ni por un diseño novedoso.

Mike Costa es el encargado de las dos historias a lo que guión se refiere y aunque mantiene la atmósfera original del núcleo principal de la trama, lo cierto que se hace difícil, a momentos, seguir el desarrollo de la historia aun conociéndola como yo la conozco.

Ramón Perez es el dibujante de la primera de las historias recogidas en este volumen recopilatorio de los siete cómics originales que componen la tirada original. Con una larga trayectoria en el mundo del cómic como ilustrador en "Star Wars Gamer" o "Dungeon Magazine" y como entintador en "Dark Horse", aqui hace gala de como puede desarrollar su trabajo.

Por último C.P. Smith se encarga de la ilustración de la ultima historia, haciéndose patente su estilo mas personal ya destacado en su participación en "30 Days of Night: Bloodsucker Tales".

En definitiva este es uno de esos cómics que aprovechan el tirón de un buen hilo argumental destacado en el mundo de los videojuegos, pero que se queda a medias tintas no explotando ni la genial estética de los cincuenta, ni el argumento estelar de la invasión extraterrestre, pero siendo punto de encuentro obligado de los apasionados del shooter "Resistance" entre los que me encuentro.

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HERMANDAD DE SANGRE.

Buena luna.

Esta semana, al fin, hay un nuevo estreno de cine terror en la cartelera. Este viernes se estrena "Hermandad de sangre" (Sorority Row), remake del film de terror de 1983 "The house on Sorority Row". ¿Que podrá ofrecernos esta revisión de la pelicula ochentera de Mark Rosman?

SINOPSIS:

La película se centra en un grupo de chicas de una hermandad que intentan ocultar la muerte accidental de una amiga de la hermandad. Ocho meses después, las chicas parecen haber olvidado el suceso y se preparan para su fiesta de graduación. Sin embargo, alguien comienza a mandarles imágenes del día en que enterraron a su compañera y son entonces perseguidas por un asesino en serie.

Para contestar a la pregunta que dejaba al aire en la introducción del post, decir que lo primero que nos aporta esta versión del nuevo milenio de la ya mala película ochentera, es un cambio en el guión. Aunque continua centrándose en el ambiente universitario americano y con las fraternidades y las chicas como protagonistas, en esta ocasión el objeto de la broma macabra es diferente, con lo que el desarrollo difiere completamente.

Esta versión la ha realizado el director Stewart Hendler, siendo este su debut en el mundo de los largometrajes (supongo que este debe ser el motivo por el cual se atreve a revisar un bodrio de película). El punto fuerte de este film es sin duda el atractivo femenino que despliega en la pantalla, contando con una colección de bellezas típicamente americanas, desinhibidas, malvadas, ambiciosas y sin complejos que en un ambiente de juerga constante en su fraternidad "desfasan" en sus últimos años antes de la vida aburrida de adultas. Todo ello estaría bien si, acompañando a esas bellezas, hubiese algo de trama en un guión mas que previsible y tantas veces visto en la gran pantalla, que solo puede sorprender a algún adolescente o a algún que otro ermitaño que no haya visto títulos como "Se lo que hicisteis el ultimo verano", "Scream" , "Candyman"y tantos otros.

A nivel de efectos, simplemente correcta, con momentos de chicha y sangre gratuita que tan bien ligado va a una película en la que tampoco podría faltar algún que otro pecho adolescente del que disfrutar. Interesante y de aplauso emocionado por parte de un público como el de la maratón de Sants, son las diversas muertes de las integrantes del "supergrupo", mostrandonos un amplio abanico de cosas que hacer con una llave de cambiar ruedas de coche.

Lo cierto es que es una de esas películas que cumplen, para mal, todos los viejos tópicos del cine de terror y de asesinos en serie del estilo de: no abras la puerta aunque no se escuche nada; No te desnudes o practiques sexo porque morirás pronto; no te duches con asesinos rondando por casa porque acabarás fiambre; por mucho que corras, él te pillará y un sin fin mas de tópicos que hace de este film un bodrio inaguantable.

Lo mejor: Las fiestas al mas puro estilo "Porkis".

Lo peor: El recauchutado inconexo de una película que no se tendría que haber reinventado.

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Fin. David Monteagudo

Fin

David Monteagudo

Acantilado

Nota importante: os prevengo que, por primera vez, y espero que última, voy a destripar el final de una novela en una reseña literaria. ¡Ojito! los que sigáis leyendo aceptáis así las condiciones de uso y no podréis reclamar en el futuro ninguna restitución moral.

La estructura clásica de toda obra literaria incluye un desenlace, ese lugar donde se centrifuga toda la trama y se cuela por el estrecho sumidero que sirve para rendir cuentas, resolver los enigmas y aliviar las mentes de los lectores. Este último apeadero cumple además el postrero propósito de enjuiciar al autor, es aquí donde se le permite dar la vuelta al ruedo con la pechera bien abierta y la montera en la mano para recibir los laureles del público lector o, en su caso, la pedrada (el símil con la lucha de gladiadores romana quizás sea más feliz, en fin). Muchos otros cometidos pretende el desenlace, pero a la postre se trata de esclarecer los hechos y de cumplir con el viejo requisito de toda historia, sea ésta de carácter artístico, científico, filosófico o religioso, es decir, de satisfacer la humana curiosidad. Esto explica también la escasa aceptación entre los lectores de aquella moda, iniciada por las tendencias literarias renovadoras de los siglos XIX y XX, consistente en exponer un fresco social aparcando la clásica estructura narrativa, el conocido espejo de Stendhal -¡si incluso a los documentales les pedimos narratividad!-. Cuando, además, se trata de géneros muy ensayados y completamente interiorizados en la genética del lector, como es el caso de la literatura de aventuras, es casi inconcebible violentar las férreas estructuras preconcebidas. Entonces, resulta de una valentía kamikaze no siempre artísticamente encomiable, atreverse con semejantes inventivas (sospecho que en general, el lector medio no es muy propicio a la cocina de autor, menos aún el de aventuras –y para los escépticos, me remito a las estadísticas de ventas-).

Así que para confirmar la regla voy a hacer lo que nunca antes me atreví y siempre me prohibí, explicar el final de una novela. En mi descargo quiero aclarar que haciendo esto cumplo a pies juntillas con el único precepto que me impuse al tomar posesión del cargo: siéndome imposible asumir una crítica en profundidad de una obra literaria (ni estando remotamente preparado), comentaré aquello que más ha contribuido a la impresión que me cause el texto.

Con Fin, David Monteagudo pretende desentrañar las reacciones de un grupo de personas normales, ciudadanos de a pie, según se van derrumbando al ser enfrentados a una situación límite –o esto es lo que él dice-. Para ello, los reúne en la misma vieja casa de campo donde de jóvenes formularon la promesa de reencontrase veinte años más tarde. Bien pronto se ve que lo que prometía ser una reunión de lo más decepcionante, como sería de esperar de un grupo de antiguos amigos que ya ni comparten recuerdos trasnochados, revierte en una desesperada huída adelante a medida que los compañeros van desapareciendo uno a uno en alucinantes circunstancias. Desde el principio Monteagudo suscita dos enigmas alrededor de los cuales va a construir su delirante trama y que nunca terminará por desvelar. Si bien, tras finalizar el volumen comprendes que dichos enigmas son la zanahoria con la que tira del lector y que su pretensión real es otra -impresión que he confirmado al leerle en entrevistas- la sensación de estafa es irremediable. Y esto, a mi entender, sucede porque Monteagudo abusa de la técnica de tentar con el anzuelo hasta el punto de que deboras las páginas, acelerando más y más, para saber de una vez qué demonios está pasando y sentirte aliviado mordiendo la zanahoria. Y, además, porque su objetivo real, el de explorar la condición humana en el miedo, se queda sin desarrollar en profundidad, ni resiste tampoco la menor comparación con las durísimas autobiografías escritas tras los episodios totalitaristas del siglo XX. A pesar de lo cual, no voy a negar tampoco las evidentes cualidades de una novela que te mantiene en vilo y te entretiene como pocas, ni la habilidad de David Monteagudo con la narrativa comercial, que está al mismo nivel que el de cualquier otro autor de bestseller.

Me atrevo a esbozar algunos de los motivos que explican por qué los caprichosos vientos comerciales de las ventas le están siendo favorables a Fin. Por un lado está el aspecto distinguido que atesora toda rara avis y que lo promociona ante los lectores que se venden como “descubridores de piedras preciosas”; por otro la eficacísima estrategia de marketing de Acantilado y el prestigioso acompañamiento de su nombre; también ha funcionado el boca-oreja para un texto con notables virtudes narrativas, así como el aspecto referencial: se le ha comparado con La piel fría de Sánchez Piñol, el Mecanoscrit del segon origen de Pedrolo o a La carretera de Cormac McCarthy; y, quizás, también ayuda la imagen de “hombre hecho a sí mismo” o de “Juan Nadie” del propio David Monteagudo. A pesar de ello, me temo que Fin juega en una división más humilde que la de las obras antes mencionadas y que difícilmente resistirá el fino tamiz de los años; mientras éstas tienen claro a dónde van, y allí se encaminan y culminan siguiendo un plan trazado de antemano, la novela de Monteagudo naufraga en los objetivos aun convenciendo en varios aspectos formales: si uno escoge sacrificar el desenlace en un género en el que eso es causa de excomunión, más le vale proveerse de unos argumentos estéticos o de contenido irrebatibles. Fin es una obra precipitada en la que no se ha invertido todo el trabajo previo de maduración que debiera garantizarle arribar a buen puerto.

A pesar de todas las pegas expuestas me atrevo a recomendar la lectura de Fin, sobre todo después de haberos estropeado el desenlace, así soy yo. Quizás, ahora que ya no estéis preocupados por la resolución de los enigmas que plantea Monteagudo podáis apreciar mejor su habilidad narrativa.

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PLANET 51.

La primera película de animación creada única y exclusivamente en España, ¡¡que ilusión!! Ante una época de crisis total y absoluta, parece que no haya espacio para proyectos ambiciosos y creativos, un toque de esperanza en un momento tremendamente chungo, un respiro... Hablo desde luego de "Planet 51".

SINOPSIS:

Planet 51 es una comedia de aventuras alienígena a nivel galáctico del escritor de “Shrek” y “Shrek 2”, la cual gira en torno al Capitán Charles “Chuck” Baker, astronauta americano que aterriza en Planet 51 pensando que es la primera persona en pisar el planeta. Para su sorpresa, descubre que el planeta está habitado por pequeñas criaturas verdes que viven felizmente en un mundo plagado de cercas blancas, reminiscencia de la alegre inocencia de la América de los años 50, y cuyo único temor es el de ser invadidos por alienígenas… ¡como Chuck! Ayudado por su compañero robot “Rover” y su nuevo amigo Lem, Chuck tendrá que abrirse camino a través del deslumbrante, aunque desconcertante paisaje de Planet 51 para no convertirse en pieza permanente del Museo Espacial de Invasores Alienígenas de Planet 51.

OPINIÓN:

Jorge Blanco, a sus 36 años, un joven director que procede del campo del videojuego (fue clave en el éxito de la serie 'Commandos'), lleva 12 años trabajando en la industria de animación 3D y en 2002 fue contratado por Ilion como director cinematográfico y creativo de 'Planet 51'.

La idea original de este largometraje de animación apareció hace ya 5 años, se inició como un cortometraje de animación pero finalmente se ha convertido en un largometraje que ha costado la friolera de 60 millones de Dolares (una cantidad nada despreciable).

El guión está escrito por Joe Stillman que seguramente recordareis como el guionista de ‘Shrek’, por la que fue nominado al oscar. El humor del largometraje, con interminables guiños a grandes películas, como "La Guerra de las galaxias", "Terminator", "Regreso al futuro", "Alien" o "Cantando bajo la lluvia", a mi me divierte, hay que decir que esta enfocada para el público infantil , tenedlo en cuenta.

Existe una variedad de personajes tremenda, nada visto hasta ahora, con todos los detalles en cuanto a atuendo, personalidad, cuerpo exquisitamente cuidados... el único pero, quizás, es la historia nada compleja, simple, si esperáis mucho desarrollo en este punto os llevareis una decepción, te entretiene y divierte sin más pretensión.

La imagen es espectacular, nada que envidiar a films de Pixar o Disney, un despliegue de talento que me ha dejado encantada. Recomiendo que le hagáis un hueco en vuestra agenda, sobretodo si tenéis publico infantil en casa, sera una tarde muy entretenida en el cine.
VALORACIÓN:

Lo mejor: El humor y los diferentes personajes.

Lo peor: Una trama floja, solo para entretener.

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LUNA NUEVA.

Buena Luna Criaturas.

Ya hace un par de semanas que se estrenó la esperadísima segunda parte de la Saga Crepúsculo "Luna Nueva". Todos los que nos seguís habitualmente y los que nos hayáis escuchado en los diferentes programas de radio en los que hemos participado, sabréis de nuestro odio casi patológico hacia esta saga y todos sus personajes. Debido a esto he creído conveniente no ser yo quien comente esta película y he pedido a L, gran conocedora de la saga en formato escrito, que valore para nosotros este estreno que tantas pasiones ha despertado en las adolescentes de nuestro país y del resto del mundo de una manera mas neutral.

SINOPSIS:

Edward Cullen (Robert Pattinson) decide abandonar a Bella Swan (Kristen Stewart) para mantenerla alejada de los peligros del mundo vampírico. Con la ayuda de Jacob Black (Taylor Lautner), su amigo de la infancia y miembro de la misteriosa tribu quileute, Bella intentará superar el abandono de Edward, que la ha dejado sumida en el mayor de los desconsuelos. Pero los peligros siguen acechando a la joven; nuevas y asombrosas criaturas sobrenaturales se cruzarán en su camino, y Bella sólo contará con el apoyo del cada vez más cercano e irresistible Jacob. Repentinamente, Bella se encuentra inmersa en el mundo de los hombres lobo, ancestrales enemigos de los vampiros, y su lealtad es puesta a prueba...

COMENTARIO:

Pocos libros son comparables con sus respectivas películas y esta es una de ellas, pero lo cierto es que consigue que pases un buen rato, y te dejes llevar por un mundo diferente, dónde se incorpora un nuevo personaje, el hombre lobo.

Una película dirigida por Chris Weitz (director de American Pie y La brújula dorada), hace de Luna nueva una aventura para todos los públicos. Chris a la hora de rodar no se olvida de la gran trayectoria que tienen las películas de vampiros en el cine, y lo cierto es que tenemos que volver a decir, que ir a ver Luna nueva al cine, es concienciarse de ir a ver una película romántica, si quieres ver vísceras y sangre, esta no es tu película.

Una vez aceptado este cambio de Chip, la película se puede disfrutar desde esa vertiente. El triángulo de amor de los personajes principales esta muy bien narrado. El actor Taylor Lautner que ejerce el papel de Jacob, consigue transmitir lo que la escritora pretendía a la hora de crear su personaje. Lo cierto, es que tenía ganas de ver la evolución de este personaje en el cine, ya que la descripción en el libro provocaba en Jacob un cambio físico muy importante y ahí ha estado Taylor Lautner machacándose en el gimnasio para poder llegar aparentar un cambio en su físico.

Robert Pattinson vuelve hacer el mismo papel que en Crepúsculo, a su papel de vampiro le falta algo... Creo que el halo de misterio que intenta transmitir su personaje, todavía no han logrado proyectarlo al público.

Por otro lado, Kristen Stewart sigue apagada. De acuerdo que en el libro es una persona deprimida, pero creo que Kristen se pasa, que exagera. No logra mirar de manera diferente a los que se supone que quiere de distinta manera.

Una película dónde las hormonas están revolucionadas pero en la que no se deja que acaben de eclosionar, algo que la escritora Stephanie Meyer, debido a su condición de mormona , intenta parar. Esta explosión hormonal es algo con lo que un ejército de adolescentes puede identificarse fácilmente y hacer de ellos adictos a esta saga.

Por último decir que el papel de los vulturis junto al desarrollo del papel de Jacob es lo mejorcito del film.

Espero que tal y como avance la saga, las películas vayan adquiriendo otra dimensión y puedan adoptar otra luz, una un poco mas oscura.

VALORACIÓN:

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PARANORMAL ACTIVITY.

Buena Luna.

Después de mucho esperar y de una expectación increíble en el pasado festival de Sitges, ha llegado envuelta en el halo del misterio y de una campaña viral impresionante "Paranormal Activity". Nosotros la pudimos ver en el festival, aqui os dejamos nuestras impresiones.

Dirigida por Oren Peli de origen israelí, se trasladó a Estados Unidos a los diecinueve años. Estudió diseño y animación. Paranormal Activity es su primera película en la que figura como director, guionista, director de fotografía, productor y montador.

SINOPSIS:

Una joven pareja feliz de clase media es atormentada por un espíritu demoníaco. Micah y Katie son una pareja de jóvenes de vida normal. Ella es una estudiante próxima a graduarse de profesora, y él es un corredor de bolsa que trabaja desde su casa. Llevan tres años viviendo juntos en una casa que hasta ahora parecía que era todo normal, hasta que comienzan a aparecer fenómenos extraños paranormales...

La aparición de Angel Sala antes del incio de la proyección cuando se hizo el pase en Sitges, añadió tensión al pase al continuar levantando el bulo de que la organización y la productora no se hacian responsables de los efectos en los asistentes. Realmente buena la puesta en escena de la película creando una tensión creciente, aun sin haber empezado la proyección.

Con el inicio de la película esa tensión se mantiene. La historia nos muestra como una pareja joven empieza a padecer sucesos extraños en su casa, donde recientemente se han mudado. Con la escusa de grabar los sucesos y para mostrarnos lo que pasa, el chico compra una camara de video y graba todo lo que sucede.

A nivel visual en la linea de otras peliculas también en clave de cinemà verité como la iniciatica "The Blair Witch Project", nos muestra tomas subjetivas durante la totalidad del transcurso del film, con grabaciones en visión nosturna, que añaden realismo y tensión al desarrollo.

Ante la espera de que los sucesos vayan ocurriendo, la tensión poco a poco se desvanece para ir dejando lugar a una sensación de autentico timo. Sucesos paranormales de los que ya se estilaban en "Poltergeist" o "El Ente", se muestran de manera mecánica cada vez que los novios van a dormir.

Tremendamente predecible y con poco mas que dos o tres sobresaltos a causa de una buena ambientación sonora, nos hace descubrir como se puede llegar a inflar una película, con una buena promoción, no sabemos muy bien que con que fin.

Inmediatamente que he empezado a ver la película, ha venido a mi mente otra película que en clave de falso documental, cuenta la historia de un grupo de jóvenes que deciden pasar la noche en un antiguo hospital, de la que ahora mismo no reuerdo el nombre, pero que también pertenecia a la serie B. También rodada con camaras domestica es mucho mas terrorífica e impactante que el bluf de "Paranormal Activity", que como bueno, si se puede decir así,tiene el final, que no desvelaré siguiendo las recomendaciones de la productora, pero que no aporta niguna novedad.

Tediosa a momentos, repetitiva, sobredimensionada, no me extraña que a su finalización se escuchasen silvidos en la sala del Auditori y algún comentario tan acertado como: "¡Vaya manera de vender humo!", completamente de acuerdo amigo.

VALORACIÓN:

Lo mejor: Realmente lo único bueno y logrado es la ambientación sonora que aporta el 80% de la tensión a la película.

Lo peor: Intentar vendernos como increible un proyecto mediocre.

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CortoCuentos.

CORTOCUENTOS

Borja Crespo-Chema García.

Colección Astiberri Pop Cartoné.

Color.128 páginas.

ISBN: 978-84-92769-21-6.

Buena Luna Criaturas.

Hace unos días que tras ver las novedades que Astiberri había editado para este mes de noviembre, iba detrás de esta pequeña joyita. Muchas veces me he preguntado cual seria la mínima expresión para que un relato corto tuviese coherencia y razón de ser y creo que en CORTOCUENTOS el autor de los relatos, Borja Crespo, ha dado con el paradigma de la mínima expresión.

CORTOCUENTOS nos ofrece una recopilación de historias fugaces fantásticas, que con destellos de puro terror y humor nos llevan de mano de lo absurdo por un universo de metáforas y moralejas que dejan al descubierto el lado mas tragicómico del ser humano.

Las historias cortísimas, de apenas seis o siete frases, son suficientes para dar

nos una pincelada de humor, terror o absurdo, que unido a unas ilustraciones magnificas de Chema García, que tocan varios estilos hasta el punto de parecer que en CORTOCUENTOS hay diferentes ilustradores, nos dejan una joya del cómic y de la historia breve, donde relato e ilustración se dan la mano en una obra indispensable para cualquier amante del cómic.

Ésta es una de esas maravillas que aunque devoras en diez minutos una vez comprada, gracias a una edición de calidad de la editorial Astiberri y un magnífico trabajo de sus autores, cada cierto tiempo recoges de la estantería para volver a releerla, se podría decir que es un libro-cómic de fondo de armario.

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2012.

Buena Luna Criaturas.

Hace días que no comentaba ninguna película y la verdad es que ya tenia mono. Después de reunirme esta mañana con el amigo Ramón del colectivo Mecanoscrit, para que nos realizase una agradable entrevista para su programa de radio Tercera Fundació de Sants 3 Radio, parece que la sangre ha vuelto a mi desgastado y envejecido corazón, que ha bombeado suficiente sangre para escribir otra reseña mas.

Esta vez le toca el turno a "2012", la última obra de uno de los grandes del cine de ciencia ficción como es Roland Emmerich, que con sus "Godzilla", "El día de mañana", "10.000", "Independence Day" y la magnifica "StarGate", nos tiene acostumbrados a los sobresaltos y los efectos especiales sin medida.

SINOPSIS:

Como el calendario maya predice, el mundo se acaba en el año 2012, con desastres naturales como erupciones volcánicas, tifones y glaciares inundando el planeta. Nunca antes una fecha en la historia ha sido tan importante para tantas culturas, religiones, científicos y gobiernos. 2012 es una aventura épica sobre un cataclismo global que provoca el fin del mundo y cuenta la heroica lucha de los supervivientes.

El inicio insidioso y basado en los datos científicos que nos muestra el director, nos predispone para un guión típico de catástrofes que desde la primigenia "When worlds collide" de 1951 dirigida por Rudolph Maté, establece las bases para lo que serán los siguientes películas de catástrofes. En esta ocasión vuelve a pasar lo mismo de siempre: Una crisis planetaria afecta a la humanidad (en este caso una erupción solar vaticinada por los Mayas, pero podría ser perfectamente alienigenas, cambios climáticos, cometas...), los lideres mundiales intentan actuar para hacer perdurar la raza humana y finalmente una parte se salva. Aquí suele acabar todo y esta película vuelve a seguir este estándar y se queda en la parte que a mi siempre me ha interesado mas de las películas de catástrofes: la reconstrucción.

Cuando ves lo que dura esta película podrías pesar que hay algo mas a parte de la típica destrucción, pero después de los 158 minutos vuelve a ser mas de lo mismo. Grandiosos efectos especiales que llenan la pantalla y hacen del visionado un experiencia impactante y grandiosa, pero volviendo a caer en los tópicos y las exageraciones propias del director: Piruetas absurdas, escapatorias imposibles, humanos normales y corrientes que se vuelven algo parecido a superhéroes, buenas intenciones que ganan a la razón, ¡paparruchas!

Lo único destacable de la película, a parte de la inclusión de Jhon Cusack al que tengo cierto aprecio irracional, es la vertiente mas real de los movimientos políticos y de los poderes fácticos para salvar a los "elegidos" sus "elegidos", cosa completamente creíble, pero que es el único punto interesante de una explosión visual de Fx, para dejarte ciego ante lo que vuelve a ser otro circo de piruetas y volteretas para disfrazar la misma actuación de siempre.

VALORACIÓN:

Lo mejor: La potencia visual.

Lo peor: La reiteración de argumento.

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LUNA NUEVA.Stephenie Meyer

LUNA NUEVA.
MEYER, STEPHENIE.
ISBN: 9788420471136
Colección: ALFAGUARA FANTASÍA.
Nº Edición:1ª
Año de edición:2007
Plaza edición: MADRID

“ CUANDO EL PAPEL ME CORTÓ EL DEDO, SÓLO SALIÓ UNA GOTA DE SANGRE DEL PEQUEÑO RASGUÑO. ENTONCES, TODO PASÓ MUY RÁPIDO… ATURDIDA Y DESORIENTADA, MIRÉ LA BRILLANTE SANGRE ROJA QUE SALÍA DE MI BRAZO Y DESPUÉS A LOS OJOS ENFEBRECIDOS DE SEIS VAMPIROS REPENTINAMENTE HAMBRIENTOS…” ( Stephenie Meyer).


Hace ya tiempo que leí Luna Nueva, cuando todavía no era un libro de masas. Ésta es la segunda parte de una colección de cuatro libros. Crepúsculo, primer libro de la saga, hizo que me enganchara y Luna Nueva hizo que disfrutará como hacía tiempo no disfrutaba. Un libro que contiene muchos de los ingredientes que siempre emocionan: Aventuras, vampiros, romanticismo, un toque gótico, unas pinceladas de oscuridad y una historia de amor impresionante.

Al final la saga de libros de Stephenie Meyer, no dejan de ser una saga de amor (y no hay nada malo en ello). Imaginaros lo que puede ser vivir una historia de amor con un vampiro y luego aderezadlo con la duda de creer estar enamorada de un hombre lobo. ¿A que puede llegar un ser humano por amor? ¿A dónde puede llegar un vampiro por amor? ¿Qué puede llegar hacer un hombre lobo por amor?

En esta segunda parte de la saga se introducen unos personajes que son totalmente importantes para que la historia adquiera cuerpo, “Los Vulturis” que recuerdan a los vampiros de Anne Rice, al famoso Lestat. Los Vulturis son los vampiros que creo que a todos nos gusta imaginarnos, derrochan glamour, saber estar, inteligencia, una presencia impactante, una piel fría y unos ojos que ven todo lo que eres, los Vulturís son los vampiros por excelencia.

Por último, volver hacer referencia a los agradecimientos del libro, y sobre todo a la gran banda sonora que Stephenie comparte contigo, para que sepas en todo momento la música que le ha acompañado al escribir el libro. Grupos como Linkin Park, Muse, Elbow, Travis o Arcade Fire, son una gran banda sonora que acompañan perfectamente la lectura del libro. Quizás nunca antes literatura y música hayan estado tan unidos.

El resto lo dejo para todos aquellos lectores que quieran viajar por un mundo diferente, y para todos aquellos que quieran leerse el libro a escondidas y no reconocer jamás que se lo han leído. Yo, me siento orgullosa de mantener a la adolescente que fui y que soy.

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Lavinia. Ursula K. Leguin

Lavinia

Ursula K. Leguin

Minotauro

Cuando Andy Warhol salió con aquello de los 15 minutos de fama en el fondo no hacía más que actualizar uno de los anhelos más viejos del hombre, el de ser reconocido como un héroe: en su momento en virtud de la relación tabulada de gestas heroicas –liquidar al minotauro o vencer la tenaz resistencia troyana- y ahora con cualquier excusa que lo publicite a uno en los mass media, principalmente futilidades de escasa consistencia y mérito. Sin embargo, la perspectiva histórica sí que matiza la puesta en escena y la perdurabilidad de los medios de registro: clásicamente en forma de poema épico o epopeya que afronta inmutable los siglos que le echen, frente a la brevedad de usar y tirar de la televisión y la prensa modernos. Así, la ventaja que supone haber nacido hace más de dos mil años, en el marco de un proyecto personal heroico, es que la persistencia del relato de las gestas está garantizado, salvando las obvias catástrofes naturales y la quema de bibliotecas en manos de pirados con antorchas, y, con ello, el principal requisito: ¡que dure la cosa! Al final, una más de las estrategias para despistar a la muerte y que certifica el éxito sin paliativos del hombre activo frente al hombre reflexivo; este pobre la verdad que se lleva la peor parte, ni le cantan los poetas ni se come un rosco. En fin, que como sucede siempre, el tiempo lo reduce todo a polvo: cuando antes era imprescindible para el héroe que su fama traspasara las generaciones hasta lo inconcebible, hoy en día, en la era del low cost, hay que conformarse con unos minutillos heroicos. El héroe clásico vencía con su fama a la muerte, ahora chulea ante los amigos y poco más. Las diferencias entre ambos son tantas que, para el atareado hombre moderno, la posibilidad de acceder a una versión actualizada de las epopeyas clásicas es una herramienta utilísima para hacerse una composición de lugar imprescindible: la historia pone a cada uno en su sitio y desenmascara al impostor. Así que conviene celebrar que una de las plumas más laureadas de la literatura fantástica se sume a esta corriente de enmienda histórica –y, porque no, de desvelo de los auténticos significados de las palabras; léase aquí héroe- con la revisión de La Eneida del poeta romano Virgilio.

Ursula K. Leguin ha aprovechado toda su habilidad de contadora de historias y su reconocido feminismo para dar voz, en Lavinia, a la mujer del héroe ateniense Eneas, a la que Virgilio dejó un poco esquinada en su poema (recordemos el papel escasamente cenital de las mujeres en los textos clásicos). Lavinia, hija del rey Latino, llega a la mayoría de edad y debe desposarse con uno de los pretendientes venidos de los reinados cercanos con intención de fortalecer los lazos políticos entre ambos países. Lavinia decide postergar su decisión hasta la llegada del héroe Eneas que, como le ha augurado el espíritu aparecido del poeta que cantará su vida, trae consigo la guerra y la fundación de un imperio colosal. Y hasta aquí puedo leer.

Leguin ha respetado el tono lírico que caracteriza la voz de Virgilio pero la ha modernizado de tal forma que podemos identificarnos con la protagonista y compartir sus sentimientos, además de asistir a la versión de aquellos que no tienen la palabra en el poema clásico, las mujeres y los débiles. Esta apuesta nos permite evitar la digestión pesada de un texto antiguo sin tener que hacer concesiones a la historia. Pero todo tiene un precio, naturalmente lo que está más cerca de la Italia de hace 2000 años es un texto de entonces, así que la versión del siglo XXI siempre se dejará cosas por el camino, ni que se trate de un cierto desapego histórico. Además, Leguin no puede evitar que su protagonista hable a veces por boca de la autora, como en algunos párrafos un tanto teñidos de reivindicación feminista, o que se comporte como una guía turística transportada en el tiempo y nos comente, de vez en cuando, el folclore y las peculiaridades locales (aquí el embrujo se disuelve de inmediato). Aunque, por fortuna, Ursula K. Leguin dispone de unas habilidades narrativas incuestionables y es capaz casi siempre de mantener bien sujetas las riendas de su argumento y sobresalir allí donde siempre ha triunfado: la tensión narrativa y la armonización de la realidad con lo mágico. Aquí enmienda las debilidades inherentes a toda actualización de un texto clásico y justifica la lectura de una novela que emociona y que añade una nota de cierto exotismo a una bibliografía completamente enmarcada en la ficción fantástica.

Lavinia, publicada en España por la editorial Minotauro, se encuadra perfectamente en el proyecto literario de Ursula K. Leguin y defraudará a muy pocos; aunque quizás, sea ésta su principal pega, que es otra vuelta de tuerca más a un universo que ya casi no da de sí.

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CUENTO DE NAVIDAD (A Christmas Carol)

A través del motion capture en 3D, Disney convierte el clásico de Dickens en una película tecnológicamente increíble .

SINOPSIS:

Ebenezer Scrooge (Jim Carrey) comienza las vacaciones de Navidad con su habitual actitud despreciativa y bruscos modales cuando habla con su fiel empleado Bob Cratchit (Gary Oldman) y con su alegre sobrino (Colin Firth). Pero cuando los espíritus de las Navidades pasadas, presentes y futuras lo llevan en un esclarecedor viaje que le revela verdades que él se resiste a ver, el viejo Scrooge finalmente deberá abrir su corazón y compensar años de rencor antes de que sea demasiado tarde... Adaptación del clásico de Charles Dickens, utilizando la misma técnica de animación que en "Polar Express" y "Beowulf".

Tras unos minutos de deslumbrantes paisajes victorianos en 3D, la película coge un tono que despista a cualquiera que conozca esta historia fantasmagórica, sin duda, el cuento navideño por excelencia.

Nos encontramos ante un señor Scrooge estático y poco refunfuñón, de una dureza fugaz que se diría incluso dulcificada. Cuesta reconocer al personaje grotesco del cuento, ese viejo sarcástico y mezquino que rabioso con la vida va exclamando ¡Paparruchas! y hace que los niños salgan corriendo a su paso. Aquí casi parece humano, como si los señores de Disney hubieran olvidado que en los cuentos la exageración es una virtud.
Del resto de personajes mejor no decir nada, pues resultan totalmente inexpresivos.

La parte positiva se concentra en los efectos del 3D que consiguen retener al público en sus butacas. La estética cuidada y detallista logra transportarnos en el tiempo. Y la poderosa presencia de los fantasmas consigue mejorar el ritmo de la película, sobretodo en la segunda mitad.

Aún así, nos encontramos ante una película más concentrada en el lucimiento tecnológico y estético, que en la transmisión de un cuento obligatorio para todas las almas mezquinas que necesiten reflexionar sobre sus actos miserables.

Lástima que tanto artificio no consiga lo que el cuento de Dickens lograba colocando las palabras adecuadamente: emocionar.

VALORACIÓN:

Lo mejor: Los efectos 3D
Lo peor: La mala interpretación del cuento. Disney podía hacerlo mejor.

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30 Dias de Oscuridad. Tres historias.

30 DÍAS DE NOCHE: TRES HISTORIAS
Steve Niles, Ben Templesmith, Nat Jones, Milx
MADE IN HELL
Páginas: 136
ISBN: 978-84-9847-697-2.

Buena Luna.

Los que nos seguís habitualmente ya sabéis de nuestro gusto por los vampiros y mas en su versión tétrica y visceral tal y como nos los presentan los creadores de la saga "30 Días de Noche".

Después de su último trabajo algo decepcionante "30 Días de Oscuridad. Historias de un chupasangre" y que editó como es habitual Norma Editorial, esta editorial vuelve a la carga con una nueva recopilación de tres historias editadas en su formato original de forma independiente y que aquí podemos disfrutar en formato rústica juntas.

Las dos primeras historias hacen referencia a uno de los supervivientes del gélido pueblo de Barrow, que después de cometer un error imperdonable, viaja hasta la ciudad en busca de resarcimiento. Una vez allí descubre que todo no es ni blanco, ni negro como él pensaba y une fuerzas con sus mas odiados enemigos para luchar en un frente común.

La última historia hace referencia a la infección de uno de los astronautas del programa espacial y como se comportan los señores de la noche en el espacio profundo, de hecho con ello juegan los autores al llamar a la historia: Dead Space.

Como ya he comentado después de la trilogía de Barrow donde los autores centrales Niles y Templesmith, mantiene un buen ritmo narrativo, unido a un dibujo con trazos nerviosos y donde prevalece la oscuridad y el color rojo, éstos se embarcan en una especie de epistolario vampírico con eje en la historia de 30 Días, que no nos dejó satisfechos después la buena calidad de la historia principal, que tan bien llevada al cine fue por David Slade en la película "30 Días de Oscuridad".

En esta entrega se retoma el espíritu inicial y el hilo argumental se retoma en parte, contribuyendo a la formación del universo vampírico y despejando algunas de las dudas que habían quedado tanto en los cómics, como en la película. Ésto en lo que se refiere a las dos primeras historias, porque con la última vuelve a pasar un poco lo mismo que con historias de un chupasangre, una historia paralela donde aparecen los vampiros desalmados de siempre, pero que se escenifica en el espacio. Nuevos colaboradores en lo que a dibujo y color, hacen que esta última historia vuelva a perder el encanto del trazo de sus creadores y las oscuras viñetas marca de la casa.

Entretenido de principio a fin, pero con el inconveniente de mezclar churras con merinas... Es el problema de querer editar en un mismo volumen historias independientes y que en su origen fueron creadas para ser editadas por separado. Buena nota para los autores, no tanta para la editora española.

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XXVIII 12 HORAS DE CINE DE TERROR.

Buena Luna.

Aquí os dejo la última crónica de Re, el maratón de Molins, espero que os haya gustado la cobertura que tanto se ha trabajado.

Puntuales nos presentamos a las puertas de "La Peni" dispuestos a disfrutar de una larga noche de cine de terror y gore.

En esta ocasión no queremos ser menos que el resto de asistentes así que llegamos con todo el material necesario para tratar de amenizar la noche que nos espera, en la mochila bocadillos, agua, frutos secos, las imprescindibles palomitas, y un termo de cafe!!!!, sin dejar de lado la preciada manta y cojines para tratar de paliar las consecuencias de más de 12 horas "embutacados", ya que finalmente el festival duró más de lo previsto.

Previa a la abertura de puertas los impacientes espectadores vivimos el intento de ahorcamiento de un joven por parte de unos traviesos niños, y digo intento porque la performance no pudo culminarse debido a que la víctima se estaba ahogando de verdad!!!!!!! seguramente un fallo en los arneses hizo que el agraciado ahorcado suplicara su descenso cuando no había alcanzado el metro de altura ya que su tez iba a pasar en breve de roja a azul si se hacia caso omiso a su petición!!!!

Ya durante la espera se dejaba entrever que esta edición iba a ser una de las que contara con más participación de público, hecho que se demostró al hacer nuestra entrada e intentar coger asiento, he de decir que pese a tener que sentarnos en primera fila pudimos disfrutar de la sesión con cierta comodidad ya que disponíamos de espacio suficiente como para poder estirar las piernas y que la mochila y bolsas varias que llevábamos no nos estorbaran. Este vaticinio de asistencia fue reconocido por la organización que llenos de orgullo y satisfacción informaron a los presentes de que en esta edición se había batido el record de participación con todas las entradas vendidas, incluso nos consta que hubo gente que aún y queriendo asistir tuvieron que volverse a sus respectivos hogares puesto que el aforo les vetó la entrada.

A continuación detallo las películas que pudimos disfrutar en tan esperado maratón:

ARRÁSTRAME AL INFIERNO (DRAG ME TO HELL). Sam Raimi, EUA 2009. (99')

GRACE (GRACE). Paul Solet, EUA/Canadá 2009. (85')

THE CHILDREN (THE CHILDREN). Tom Shankland,Reino Unido 2008. (84')

PELÍCULA SORPRESA!!!!!

LA HUÉRFANA (ORPHAN). Jaume Collet-Serra, EUA 2009. (123')

EDEN LAKE (EDEN LAKE). James Watkins, Reino Unido 2008. (91')

JACK BROOKS. CAZADOR DE MONSTRUOS (JACK BROOKS. MONSTER SLAYER). Jon Knautz, EUA 2007. (85')

Durante las proyecciones se representaron diferentes performances en la sala del teatro con el pretexto de entretener y homenajear el tema principal al que estaba dedicado el festival: los niños. En este aspecto también destacar que estos pequeños perversos y que inocentemente denominamos niños fueron los protagonistas indiscutibles de la sesión si exceptuamos la primera y la última películas, así como en Eden Lake en la que dichos protagonistas estan algo creciditos tratándose de adolescentes. En esta edición hemos podido disfrutar también de dos clásicos imprescindibles dentro del festival, la película sorpresa que desvelaré en breves instantes, así como el esperado colofón final de sangre, vísceras y grandes toques de humor de una proyección de gore filmada al más puro estilo ochentero, y que pretende mantener a los espectadores despiertos y atentos hasta la finalización del festival, con el reclamo de incluir en la representación a nuestro estimado Robert Englund.

Pues bien, mientras esperamos sentados en nuestras butacas se inician los créditos de la esperada película con la que la organización pretende sorprender a todos aquellos que han decidido asistir al maratón, y este año logran sorprender a todos los presentes ya que nos encontramos ante unos créditos coloridos, españoles, bajo un fondo urbano... y de repente el título: LA GUERRA DE LOS NIÑOS, filmación de Javier Aguirre estrenada en 1980 y que cuenta como protagonistas en su debut cinematográfico del conocido grupo musical infantil PARCHIS!!!!!!!!! pero pese a las expectativas de algunos de los asistentes los créditos son cortados tras enseñarnos el título para finalizar una broma de l

a organización que daria paso a la que si seria la película elegida para sorprender realmente al público:

CROMOSOMA 3 (THE BROOD). Director: David Cronenberg . Productor: Claude Héroux para Canadian Film Development Corporation . Guión: David Cronenberg. Fotografía: Mark Irwin. Música: Howard Shore. Montaje: Alan Collins. Efectos especiales: Dennis Pike, Jack H. Young (maquillajes). Intérpretes: Oliver Reed (doctor Hal Raglan), Samantha Eggar (Nola Carveth), Art Hindle (Frank Carveth), Henry Beckman (Barton Kelly), Robert A. Silverman (Jan Hartog), Nuala Fitzgerald (Juliana Kelly), Cindy Hinds (Candice Carveth), Susan Hogan (Ruth Mayer), Gary McKeehan (Mike Trellan), Michael Magee (inspector), Felix Silla (criatura), John Ferguson (criatura). Nacionalidad y año: Canadá 1979. (90')

Sinopsis:

Un reputado psiquiatra, que utiliza unos métodos poco convencionales de tratamiento incluyendo el internamiento de sus pacientes, provoca la ira de una de sus internadas que somatizara dicho sentimiento de una forma un tanto peculiar. Película que nos retrata uno de los temas favoritos de este reconocido actor y director canadiense, la mezcla que resulta de lo físico con el aspecto más puramente psicológico, como anécdotas destacar que el realizador llegó a hacer declaraciones en las que asemejaba a la protagonista con su ex esposa, de la que se había separado de forma tumultuosa poco antes de realizar la película. También resaltar que en 1981 recibió una mención especial del jurado en el Festival de Sitges.

Y con esto y un bizcocho espero que volvamos a vernos en la que sera la XXIX edición del FESTIVAL DE CINE DE TERROR Y GORE DE MOLINS DE REI.

Hasta entonces... BUENA LUNA CRIATURAS!!!!!!!!!!!!!!!!!!

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